A Blast In The Underworld

Pharoahe Monch

2011-10-14T11:32:00.001+01:00

5 de Novembro, no Hard Club.

Porto.

Fantômas - The Director's Cut Live: A New Year's Revolution

2011-07-22T15:50:00.005+01:00

Um dos acontecimentos mais interessantes do ano 2001 no espectro da música pesada foi, a par de obras como A Sun That Never Sets, Jane Doe, Bath, Lateralus ou Blackwater Park, o segundo disco dos Fantômas, intitulado The Director's Cut, que como o próprio nome sugere, é um álbum de interpretações muito pessoais de temas de bandas sonoras de filmes de terror e clássicos obrigatórios como The Godfather, Rosemary's Baby, Night Of The Hunter ou Twin Peaks.
The Director's Cut é quase uma ilha entre os registos dos Fantômas, sendo o seu disco mais musical e até "convencional", se é que podemos usar essa palavra a menos de um parágrafo de distância do nome do grupo.
Em 31 de Dezembro de 2008 ou grupo reuniu-se para um concerto, juntando-se desta vez Dale Crover (substituindo Dave Lombardo e também Terry Bozzio) ao núcleo formado por Mike Patton, Buzz Osbourne e Trevor Dunn.
O resultado dessa noite será editado a 6 de Setembro num DVD chamado The Director's Cut Live: A New Year's Revolution e em CD com o mesmo nome.

Época de mudanças?

2011-07-07T14:53:00.004+01:00

Em variadíssimas áreas o Verão parece trazer finais de ciclos e consequentes mudanças.

Nesta época há uma entidade no mundo da música que por pequenos sinais parece apostada em mudar um pouco a formula que até aqui lhes trouxe reconhecimento mundial, que são os Mastodon.
Primeiro foram as declarações de Brann Dailor: "When you listen to the songs, they don't sound as 'fun' as we perceive them to be, I guess (...) And then we wrote a whole bunch of brand new stuff. There's, like, 14 songs that we recorded. And it's sort all over the place — a lot of different sounds. Some straight-up classic-rock-sounding songs, straight-up death metal-sounding songs and some completely bizarre, weirdo rock songs that we're not really sure what they are, but we love them."
Parece que este discurso deixa transparecer uma espécie de mudança, no modo como as novas músicas soam e até no caminho percorrido, que parece ter fechado a porta ás canções épicas e mais sérias em duração e composição.
Hoje, foi apresentado o artwork do novo disco, já intitulado The Hunter.

Se bem se recordam das capas dos quatro anteriores discos havia uma ligação entre elas, no tipo de cores e de formas (o que não acontece nesta nova), uma vez que eram discos que formavam um tema, cada um deles tratando de um dos quatro elementos, fogo, água, terra e ar.
Findado este percurso, surge The Hunter, um novo disco no caminho, que até o nome parece ser atípico aos Mastodon.
No entanto, Brann Dailor assegura: "it's still pretty extremely heavy material."

David Bowie - Lodger (1979)

2011-06-29T00:19:00.004+01:00

Na última instalação da "Trilogia de Berlim" nota-se a mudança como palavra-chave. Robert Fripp não fazia parte da equipa de músicos liderada por Bowie e Brian Eno, que desta vez tinha contratado Adrian Belew (que viria a fazer parte da banda de Fripp, os King Crimson, alguns meses depois), o que dá um ar exótico e extravagante a algumas das músicas em que participa.
Alguns músicos foram encorajados a tocar instrumentos que não eram os seus habituais, como por exemplo Carlos Alomar, que tocou bateria em vez de guitarra, no primeiro single do disco "Boys Keep Swinging".

Além destas mudanças, a mais óbvia deve-se ao facto de este disco não conter nenhum dos temas instrumentais que marcaram esta trilogia. Não existem aqui passagens sonoras negras, gélidas e atmosféricas como em Low e "Heroes". A influência do krautrock também é menos notória.

Lodger surge assim como um disco mais fracturado que fracturante, fruto das suas várias experimentações sonoras e texturais. O disco apresenta-se incoerente e inconsistente, não estando por isso a par das obras monumentais que Bowie criou em Berlim. No entanto, apesar de alguns pontos menos inspirados, Lodger tem bons momentos que crescem com o número de audições.

The Tree Of Life - Terrence Malick (2011)

2011-05-27T17:23:00.007+01:00

Finalmente mostrou a cara o último filme de Terrence Malick, The Tree Of Life. Este filme foi premiado em Cannes no domingo passado, com a Palma de Ouro do festival. Quem não mostrou a cara foi Malick, que continua a viver como um recluso e de quem pouco ou nada se sabe.
A sua filmografia consiste em apenas 5 filmes, Badlands (1973), Days Of Heaven (1978), The Thin Red Line (1998), The New World (2005) e The Tree Of Life (2011).
The Tree Of Life é um filme sobre uma família nos anos 50 e sobre o seu filho, já no presente. A perda da inocência sempre foi um tema explorado pelo realizador, mas neste filme tudo vai mais além, usando bastantes metáforas e explorando a dualidade da "graça" e da "natureza".
Com efeito, Malick intercepta imagens da criação do universo, bem como da concepção da vida e a evolução, realçando o lado místico e espíritual da obra, um pouco como tinha feito Stanley Kubrick no seu 2001: A Space Odyssey (1968) e muito recentemente Gaspar Noé em Enter The Void (2009), com imagens da rotina familiar e mais propriamente, da visão do rapaz que experiencia novas sensações e sentimentos.
Em The Tree Of Life não há só Kubrick, há também Bela Tarr, naquelas viagens intermináveis da câmera que rodeia os personagens e até nos sinos que se vão ouvindo no decorrer do filme. Há também Andrei Tarkovsky e o seu Zerkalo (1975), explorando a relação do filho com a mãe (que chega a levitar) e há em particular outro filme, que é um dos melhores da década passada, Stellet Licht (2007) de Carlos Reygadas, na fotografia do filme, nos ambientes que explora, com a câmara a passear por entre campos e flores bem como pelos rios e até na família, que é em tudo similar áquela que nos era apresentada no filme do mexicano.
O filme é uma combinação de milhões de fragmentos que pretende explorar e transmitir uma espiritualidade presente na vida, e que o faz eficazmente, sendo um dos grandes eventos cinematográficos da época e concorrendo desde já para as listas dos melhores de fim de ano.

Von Trier e Hitler em Cannes

2011-05-21T11:47:00.004+01:00

O festival de Cannes declarou Lars Von Trier persona non grata ao festival, tendo-o já banido de futuras edições. Sendo assim, Melancholia será o seu último filme a competir pela Palma de Ouro, ainda que o realizador tenha sido aconselhado a não aparecer caso vença o prémio.
Na minha opinião é um exagero. Contextualizando, todas as declarações, sobre Hitler, de Von Trier foram uma brincadeira para escapar a perguntas sobre a sua obra, seguindo um caminho de ironia e rebeldia.
Recorde-se, que na mesma conferência de imprensa Von Trier disse que estava já a trabalhar num filme pornográfico de 4 horas e sem diálogos com as actrizes, Kirsten Dunst e Charlotte Gainsbourg.
Quem castiga um realizador que está ali com a sua personagem de sempre, o enfant terrible que é uma das figuras do festival há já 20 anos e, ao mesmo tempo, bajula Mel Gibson, esse sim, um verdadeiro anti-semita que não fala em tom jocoso como Von Trier, não me parece ter o mínimo de coerência.

Johnny Guitar - Nicholas Ray (1954)

2011-04-24T12:12:00.004+01:00

Passaram-se semanas e aquele diálogo entre Vienna e Johnny Logan ainda ecoa dentro de mim. Aquele que começa e acaba com perguntas de Vienna: "Having fun Mr. Logan?" e "What took you so long?" Aquele que é acompanhado por uma música frágil e intensa, maior que todas as emoções! Aquele que forma uma das mais belas cenas que vi até hoje, sem a menor dúvida...

Children Of Men - Alfonso Cuarón (2006)

2011-04-19T23:07:00.001+01:00

Digam o que disserem, os planos sequência deste filme são do c******.

Aniki Bóbó - Manoel de Oliveira (1942)

2011-04-16T13:54:00.004+01:00

Ontem iniciei-me em Manoel de Oliveira. É verdade, com muita pena minha nunca tinha visto nada do realizador centenário.
Resolvi começar pelo início, pela sua primeira longa metragem de ficção, que é Aniki Bóbó.
E posso dizer que as expectativas foram preenchidas e até ultrapassadas, isto porque Aniki Bóbó é uma obra-prima.
A história de um grupo de crianças, principalmente Carlos, Teresinha e Eduardo é muito bem construída e especialmente tocante, neste filme que é um percursor do neo-realismo italiano.
Fica agora a vontade de ver mais e mais do senhor Manoel de Oliveira!

A Woman Under The Influence - John Cassavetes (1974)

2011-03-26T17:10:00.006Z

A Woman Under The Influence é um filme de 1974, dirigido por John Cassavetes, e protagonizado pela sua mulher Gena Rowlands.
O filme segue Mabel, uma mulher perturbada, entre a depressão e a loucura e questiona os efeitos dessa condição numa família e num lar, assim como a loucura que se calhar todos nós possuimos.
Não há muito a dizer sobre este filme, apenas que Gena Rowlands tem provavelmente a melhor interpretação feminina que vi em toda a minha vida, com uma volatilidade impressionante.
Esta interpretação rivaliza com a de Maria Falconetti, em La Passion De Jeanne D'Arc em 1928, do grande Dreyer naquilo que poderemos considerar a melhor interpretação feminina de sempre, sendo esta uma interpretação de cinema mudo, que nos desarma completamente com aquele olhar.
Podemos também ver mais uma vez que os Oscares primam pela injustiça, é que Gena Rowlands não levou a estátua para casa...

Tyler The Creator

2011-03-05T21:25:00.007Z

Tyler The Creator é um rapper e produtor de hip-hop, que tem 19 anos e tem feito sucesso pela internet fora.
O seu primeiro disco, Bastard, foi editado já em 2009 e abre com um tema (Bastard) que é muito possivelmente o melhor tema de abertura de um disco de hip-hop dos últimos anos. Além disso, é notavel a audácia do jovem rapper de Los Angeles em abrir o seu disco com um tema longo e sem um único beat, apenas piano e efeitos esparsos.
Tyler, é ainda o líder do grupo OFWGKTA (Odd Future Wolf Gang Kill Them All), que reune MC's e produtores com idades compreendidas entre os 17 e os 23 anos.
Este colectivo disponibilizou no seu site, uma série de mixtapes gratuitas e tem dado que falar devido á sua qualidade.
O novo disco de Tyler The Creator, vai chamar-se Goblin e será editado em Abril pela XL Records.
O primeiro avanço tem como título Yonkers e o seu brilhante vídeo pode ser visto abaixo.

PJ Harvey - Let England Shake (2011)

2011-02-19T14:27:00.006Z

Em 2007, Polly Jean editou White Chalk, um album que apanhou toda a gente de surpresa pela sua abordagem á música, pela primeira vez desde sempre, sem guitarras e com o intimismo do piano a segurar todas as negras composições. Se alguns podiam pensar que aquele disco tinha sido uma pequena experiencia, este novo Let England Shake vem mostrar que a PJ Harvey rockeira está enterrada de vez. E isso é mau? Não, é maravilhoso!

Let England Shake é um disco conceptual e atípico no tema, a guerra. A nativa de Dorset inspirou-se em relatos da Primeira Guerra Mundial e traçou linhas paralelas com as guerras que se travam na actualidade. Pela primeira vez o disco não é sobre ela ou sobre problemas das mulheres (atente-se no facto de PJ não estar presente na capa pela primeira vez), e personagens anónimas abundam no disco, como se de homens que se perderam na guerra se tratassem.

A música aqui contida é de uma profundidade enorme, tornando-se bastante negra, também pelo variado uso de instrumentos, como a autoharpa e o saxofone. Todos os temas possuem um caracter forte, tal como The Words That Maketh Murder, Let England Shake, On Battleship Hill, e é impossivel não nos sentirmos arrepiados pela verdadeira carta de amor a Inglaterra que o tema England se revela.

O NME considerou este o verdadeiro disco sobre a guerra, tal como Apocalypse Now é o verdadeiro filme de guerra.

PJ Harvey colaborou uma vez mais com John Parish e Mick Harvey, e aos 41 anos, criou um dos melhores e mais completos discos da sua carreira, que segue como uma das mais consistentes e geniais dos últimos 20 anos.

Enter The Void - Gaspar Noé (2009)

2011-01-23T17:42:00.006Z

Enter The Void conta a história de um dealer (Nathaniel Brown) que é assassinado em Tóquio e tenta regressar para tomar conta da sua irmã (Paz de la Huerta), como lhe prometera num pacto feito na infância.
O filme desenrola-se nesta perspectiva do personagem principal, primeiramente vivo e depois nas suas deambulações já enquanto espírito.
Noé tem afirmado que este é o seu projecto de sonho desde há longos anos e com o sucesso de Irréversible foi-lhe possível dar o passo para criar esta autêntica viagem de 2h30m.
O argumento parte das teorias do muito conhecido Tibetan Book Of The Dead, e aprofunda temas como morte e reencarnação assim como o mundo das drogas. É exactamente aqui que se encontra o defeito de Enter The Void, num argumento esburacado, que a dada altura parece não saber para onde ir. As relações das personagens já foram exploradas, os seus sentimentos também, as trips ácidas também (o que para algumas pessoas será um exagero) e a câmera continua a viajar.
É nesta viagem que Noé se mostra vital. A câmera voa durante todo o filme de forma singular, criando a ilusão de um plano-sequência gigantesco e efeitos que nos lembram 2001: A Space Odyssey de Kubrick, assim como as cenas sexuais místicas e a forma de nos mostrar a concepção da vida (mas Noé já tinha demonstrado o seu amor por este filme, lembram-se do poster no quarto em Irréversible?)
O filme surge então mais como uma experiência cinematográfica e com uma técnica de filmar exímia do que como uma história que nos dá um soco no estômago com a pujança niilista que Gaspar Noé nos tinha mostrado nas suas anteriores longas-metragens. É um bom filme, ainda que seja o seu pior...

L'illusionniste - Sylvain Chomet (2010)

2010-12-29T14:01:00.003Z

L'illusionniste (O Mágico) é um presente de Natal. Se gostam de Jacques Tati, acreditem que é dos melhores que podem ter.

Controvérsias sobre a quem pertence o argumento, ou a quem deveria ele ser realmente dedicado (filha legítima de Tati ou, filha ilegítima, para a qual o argumento foi escrito), o filme é fiel á estética de Tati.

A dedicação ao pormenor e aos pequenos momentos/movimentos da vida, a nostalgia das simples acções para com o próximo, a bondade da persona de Tati, está tudo lá, mas com os desenhos também nostálgicos dirigidos por Chomet.

O pior deste filme é que vai continuar a ser esquecido em favor dos vossos Shreks, Madagascars e afins...

All The Stars Are Dead Now: Captain Beefheart

2010-12-20T14:17:00.009Z

Captain Beefheart (de seu nome verdadeiro Don Van Vliet) faleceu esta semana, vítima de complicações da sua doença, esclerose múltipla.

Don Van Vliet foi amigo de infância de Frank Zappa, com quem colaborou muitas vezes, e se acham que o universo musical do génio Zappa é surreal, é porque não conhecem as trips que Captain Beefheart e a sua Magic Band criaram no final dos anos 60 e inícios de 70 em obras míticas como Safe As Milk (1967), Trout Mask Replica (1969) ou Lick My Decals Off, Baby (1970).

Beefheart, foi uma influência decisiva na viragem da carreira de Tom Waits, que assim que conheceu a sua obra gravou discos como Swordfishtrombones ou Rain Dogs.

Captain Beefheart deixou de gravar discos em 1982 e actualmente dedicava-se ás artes plásticas.

1941-2010

Julian Assange

2010-12-07T19:55:00.002Z

Terrorista Anti-Americano ou Divulgador da Verdade Política?

All The Stars Are Dead Now: Peter "Sleazy" Christopherson

2010-11-26T14:30:00.010Z

Peter "Sleazy" Christopherson morreu tranquilamente durante o sono, na noite de 24 de Novembro de 2010, na sua casa em Bangkok, na Tailândia.
Sleazy foi um visionário em todas as áreas da arte a que se dedicou. Ainda muito novo fez parte do lendário grupo de design Hipgnosis, que criou algumas das melhores capas de sempre de discos de bandas tão ilustres como Pink Floyd, Led Zeppelin, Genesis ou XTC. Como músico criou os Throbbing Gristle, juntamente com Chris Carter, Cosey Fanni Tutti e Genesis P-Orridge, e que viria a ser descrito como "destruidores da civilização". Depois disso fundou com Genesis, os Psychic TV. Também a partir daí, dedicou a sua vida aos magníficos Coil com o seu companheiro John Balance.
Recentemente tocou no clubbing da Casa da Música, no dia 5 de Novembro com os X-TG (encarnação dos Throbbing Gristle sem Genesis P-Orridge, que abandonou o grupo dias antes), naquele que seria o último concerto da sua vida e que eu presenciei, numa performance não menos que brilhante.
Concerteza que Sleazy está bem melhor agora, junto do seu companheiro de sempre, John Balance, que faleceu em 2004.

1955-2010.

Der Siebente Kontinent - Michael Haneke (1989)

2010-11-23T16:16:00.007Z

Der Siebente Kontinen (O Sétimo Continente) é o primeiro filme de Michael Haneke, fazendo a exclusão da praxe de alguns trabalhos anteriores feitos para a televisão.

O filme aborda uma família, que poderia ser qualquer família, e que por isso mesmo, nos é apresentada mais pelas profissões que desempenham, sem mostrar muitos traços das suas personalidades. Georg e Anna percebem que algo está mal, quando a sua filha Eva finge estar cega e, ponderam uma mudança de vida. Talvez a viagem de sonho á Austrália (daí a alusão ao sétimo continente).

Neste filme estão presentes muitas das características que Haneke viria a explorar no seu cinema. Os diálogos são minimos e rotineiros, a alienação e a imersão numa socieadade cada vez mais afastada também marcam presença, assim como a aparente simplicidade das acções que a câmara nos mostra e acima de tudo o facto de Haneke, nunca cair no erro de julgar, e de nos mostrar uma moral.

São incriveis o hipnotismo e o niilismo presentes nesta fita, assim como o é, o facto de Haneke nos conseguir chocar de forma extrema sem que para isso nos mostre sequer uma gota de sangue.

Vivre Sa Vie - Jean-Luc Godard (1962)

2010-11-18T21:00:00.008Z

"Na sequência da morte, começamos por ver, num longo plano fixo que nada parece justificar, um cruzamento de ruas dos suburbios de Paris, ruas desertas. Só um minuto depois, chega o 404 de Raoul e chegam os outros, para o ajuste de contas. Tudo é tão rápido. Raoul protege-se com o corpo de Nana e o outro diz-lhe que não é por ele ter uma mulher à frente que vai deixar de disparar. Mas, na confusão, quem mata Nana é Raoul. Nana foi o corpo a mais. Sempre.
E a última coisa que viveu da vida - a última coisa que viu na vida - do sítio onde se encontrava, foi esse cruzamento sujo e feio de ruas desertas. Por isso, ele durou tanto tempo, antes. Por isso, não o vemos no fim."

João Bénard da Costa

E esta...?

2010-11-01T22:34:00.002Z

Sabiam que, no último disco que José Afonso gravou e editou originalmente em 1985, de nome Galinhas do Mato, há um tema que presta homenagem a um dos maiores nomes da sétima arte?
Este é um disco que vive essencialmente de colaborações, (apenas duas canções contam apenas com a voz de Zeca) e ao quarto tema, em colaboração com Janita Salomé, encontramos uma faixa bastante experimental, em ritmos e cânticos, de nome, Tarkovsky.
É muito interessante esta associação e ficamos a conhecer mais uma característica de José Afonso, a de apreciar cinema de muita qualidade...

S W A N S

2010-10-30T11:50:00.003+01:00

SWANS na Casa da Música a 10 de Abril.

(notícia do ano)

Pickpocket... a "preto e branco"

2010-10-29T19:42:00.002+01:00

…Bresson nunca facilitou a tarefa. Este grande senhor, hoje com 87 anos* (nasceu em 1901 e não em 1907 como dizem quase todas as fontes), sempre entendeu que «o cinema não é um espectáculo, é uma escrita» e escreveu nos seus 13 filmes uma complicada história teológica, em torno de questões tão pouco populares como a Predestinação, o Acaso ou a Graça, na dependência de um catolicismo austero, a que por vezes se tem chamado jansenista.
Não usa a palavra cinema. Prefere o termo «cinematógrafo» para sublinhar a diferença «entre os filmes correntes e a arte cinematográfica» e diz que «o cinematógrafo é a aplicação em imagens insignificantes (não significantes)».
Actores? É coisa que, para ele, não há. Se nos primeiros filmes (Les Anges du Péché, de 44; Les Dames du Bois de Boulogne, de 45; Journal d’un Curé de Campagne, de 51) ainda transigiu e ainda foi escolher à Comédie actores (e actores de teatro) para os seus personagens, a partir do opus 4 (Un Condamné à Mort s’est Echappé, de 1956) recorreu exclusivamente a homens e mulheres que não fizessem qualquer ideia do que fosse representar. Chamou-lhes «modelos» em vez de actores, e quis que modelos fossem em vez de parecerem actores. «Não se trata de representar com “simplicidade” ou de representar com “intensidade”, mas de não representar de todo.» E exigiu-lhes que falassem como se falassem sozinhos, sem expressão. «Monólogos em vez de diálogos.»
Por isso, nunca usou duas vezes o mesmo modelo. Por isso, não perdoou àqueles dos seus modelos que, traindo-o, iniciaram com ele uma carreira de actor (o caso mais célebre é o de Dominique Sanda, seu modelo em Une Femme Douce). Por isso, os seus modelos parecem todos modelar-se uns aos outros na mesma inexpressividade. Com a pintura aprendeu que não havia imagens belas mas imagens necessárias. E que, como dizia Cézanne, «à chaque touche, je risque ma vie».
Nunca se importou nada que o achassem ou chamassem reaccionário. Nunca se importou nada que cada um dos seus filmes demorasse anos a ser feito. Levou uma série de produtores à falência, tão mais exigente e gastador quanto menos se viam os seus filmes. Obcecado com os números e as sortes (ou os azares) construiu em 13 filmes um universo que não se parece com nenhum outro, e que ninguém nunca conseguiu imitar. Dissertando sobre ele, Nuno Bragança escreveu: «Cristão que também sou, sinto a que ponto essa visão (a visão de Bresson) está, para muito do que marca o tempo em que vivemos, como sopa em torno de uma mosca. Mas opto pela sopa.» Eu também.
E opto, particularmente, entre todos os seus filmes (nenhum a que não possa chamar «filme da minha vida») por Pickpocket (1959) que por aqui chamaram, com alguma imaginação, O Carteirista.
Já se disse que era «o filme mais branco da história do cinema» (só talvez Luz de Inverno de Bergman possa competir), pois é a mais ousada tentativa do seu autor para desmontar o real, através das suas aparências, ou, se se preferir, as aparências através da sua realidade.
Filme sobre um pickpocket, tão misteriosamente triunfador nos seus roubos iniciais, como misteriosamente vencido no seu roubo final, tanto se pode falar dele em termos de «tratado de moral» (relações entre o roubo e a homossexualidade, relações entre o crime e a lei), como em termos de «tratado metafísico» (mais uma vez, a perene contradição dos filmes de Bresson, entre o «primado da Graça» e o «primado das Obras») ou em termos estritamente «materiais» (é um filme sobre mãos, olhares e gestos, sem outra metafísica que não essa).
A ausência de expressão dos personagens, das vozes dos personagens, da fragmentação dos personagens, tanto é uma expressão de ausência como a expressão de uma presença. Quem está ausente ou presente (como em todos os filmes de Bresson) é quem não pode ser nomeado e, portanto, não pode ter imagem. Quando muito, a probabilidade dela. Dieu, Probablement como, na sua penúltima obra, Bresson disse Le Diable, Probablement. Pickpocket é o filme de Bresson que mais joga com esse vazio, com esses vazios. Ou, melhor dito, em que esses vazios podem ser pressentidos como o essencial, apenas porque o essencial se esgota na pura materialidade.
Nunca, talvez, como nesta obra, Bresson tenha ido tão longe na defesa da sua ideia de que «o cinematógrafo é a arte de não mostrar nada». E esta afirmação só pode parecer paradoxal a quem não tenha sido capaz de ver o que é esse nada que Pickpocket mostra.
Ao som da música de Lully, Bresson ilumina o caminho de um homem que sabe, paulinianamente, que a lei mata e o espírito vivifica. Um homem chamado Michel que a Graça acompanha, na sua trajectória entre a liberdade e a prisão. Livre, é prisioneiro do seu corpo e do seu espírito. Preso, encontra a alma e o misteriosíssimo sentido da frase que diz depois da morte da mãe: «Acreditei em Deus durante três minutos.»
Bresson comentou que poucas pessoas poderão dizer que acreditaram em Deus durante tanto tempo. Também poucas pessoas terão compreendido, como Michel, a razão da força irracional de um destino humano. Por isso, à única mulher que o amou e que, para o amar, também teve de abandonar toda a ordem e toda a racionalidade, Michel dirá, no final, entre as grades, com o inconfundível acento neutro dos personagens bressonianos, a seguinte frase: «O Jeanne, pour aller jusqu’à toi, quel drôle de chemin il m’a fallu prendre.» E o Magnificat de Lully invade a banda sonora, imobilizando esse encontro e essa frase na sombra da iluminação total.

João Bénard da Costa

*Robert Bresson morreu em 1999, com 98 anos.

OBRIGADO ÁLVARO ;)

Porque...

2010-10-15T21:32:00.001+01:00

...é que o raio dos americanos tem de meter o nariz em tudo?

Vi ontem o trailer e os meus medos confirmaram-se, os americanos tem de consumir tudo o que existe de bom á sua volta e transformar todos os filmes com atmosfera negra em filmes de terror de merda.

5 de Novembro: Casa da Música

2010-10-01T21:12:00.004+01:00

Quem me conhece sabe o quanto gosto desta banda. Sem dúvida uma das mais geniais da última década e meia, sensivelmente.
Eu até estava a pensar ir á Casa da Música ver os "pais" da música industrial, Throbbing Gristle, mas com a confirmação da actuação dos Ulver (que apenas recentemente começaram a tocar ao vivo), EU VOU!
No dia 5 de Novembro vai acontecer o que sempre assumi como sendo impossível. Os Ulver vão pisar território português.
Os Ulver começaram quando Kristoffer Rygg (aka Garm; Trickster G; Fiery G. Maestrom) era ainda um adolescente, no nicho do Black Metal norueguês, e logo se destacaram.
Bergtatt - Et Eeventyr i 5 Capitler, o primeiro disco permanece com um dos melhores dessa negra corrente estilística.
Ao segundo disco, Kveldssanger, deixam a electricidade de lado e oferecem-nos folk melancólica e soturna. Para completar a trilogia, segue-se Nattens Madrigal - Aatte Hymne Til Ulven i Manden, um disco que obriga a ter um grande par de cojones para ser escutado. Acham que a vaga raw do Black Metal se ficava por Darkthrone primordial? Ouçam Nattens Madrigal e vejam a coça que levam...
E a trilogia do "Black Metal" (que não o era) estava terminada. A partir daqui nada seria igual...
Dois anos depois, surge o disco Themes From William Blake's The Marriage Of Heaven And Hell, disco conceptual que contem passagens dos mesmo poemas que lhe dão o nome. Aqui há electrónica, música industrial, drum and bass e experimentalismo, tudo embrulhado em música que tem cariz ambiente.
Em 2000, editam Perdition City: Music To An Interior Film, (aquele que é o meu disco preferido da banda) e que é sem qualquer dúvida um dos melhores desta última década. Aqui o grupo entre pelos caminhos do Trip-Hop e até do Acid-Jazz com mais electrónica. Um marco da música moderna.
Os dois lançamentos seguintes em formato longa-duração de originais são duas bandas sonoras brilhantes Lyckantropen Themes e Svidd Neger. Pelo meio brindam-nos com alguns EPs e uma compilação de temas remixados por grandes nomes de varias tendencias.
Os últimos discos são Blood Inside, que segue a linha do que o grupo nos habituou, aprofundando todas as características do grupo e, Shadows Of The Sun, um disco minimalista em que a electrónica assume o caracter de música de câmara, num dos discos mais introspectivos de sempre!
Esta metamorfose musical que acompanho há largos anos e que nunca deixou a desejar, teve um grande impacto em mim, moldando uma grande parte daquilo que sou e aprecio, musicalmente falando. Ou melhor, artísticamente falando.
Quem me conhece sabe o quanto gosto desta banda!

Sextape

2010-09-20T11:41:00.004+01:00

Os Deftones são uma grande banda.
Metidos no saco do Nu-Metal injustamente, sempre se mostraram uma banda especial.
Há 15 anos que editam discos relevantes e que refinaram a sua sonoridade. Hoje em dia, os Deftones tem o seu próprio estilo e será demasiado redutor confiná-los a qualquer etiqueta.
O vídeo de apresentação para a belíssima canção Sextape, do disco deste ano Diamond Eyes, é tabém ele um belíssimo vídeo, que representa a dimensão onírica e a sensualidade latente na música da banda.
Os Deftones regressam a Portugal, ao Campo Pequeno, no dia 3 de Dezembro.

Who's Afraid Of Richard Burton?

2010-09-12T17:04:00.002+01:00

Que interpretação impressionante!
Mas não só a de Burton... Elizabeth Taylor, George Segal e Sandy Dennis estão muito bem no filme Who's Afraid Of Virginia Woolf? do realizador Mike Nichols.
Agora venham-me dizer que o Closer é que é o seu grande filme...

Inception

2010-07-29T21:10:00.004+01:00

Inception conta-nos a história de um grupo que entra nas mentes das pessoas, através de sonhos partilhados, para roubar os seus segredos. O filme centra-se em Don Cobb, o extractor, que executará o seu último trabalho de modo a obter a redenção e voltar para a sua família.

Cobb (DiCaprio) é ajudado por uma equipa, Arthur (Joseph Gordon-Levvit), a arquitecta Ariadne (Ellen Page), o falsificador Eames (Tom Hardy) e o químico Yusuf (Dileep Rao) para invadir a mente do magnata Fischer (Cillian Murphy) a pedido de Saiton (Ken Watanabe).

O filme de Christopher Nolan é o mais falado do ano, e tem dividido públicos bastante distintos.

O público alvo tem elevado o filme a um estatuto que não lhe pertencerá e a crítica tem-se dividido entre os que gostam do blockbuster de Nolan e os intelectuais que desancam o filme como sendo apenas um filme de acção com pressupostos intelectuais.

Tudo tem sido criticado. O argumento leva-se demasiado a sério, complicando-se demasiado. Muitos são aqueles que afirmam que mais que um visionamento é necessário por tanta complexidade. Quanto a mim, o filme não tem nada de complexo e não será necessário nenhum visionamento extra. É verdade que se entra em níveis diferentes mas isso será como descer o parque de estacionamento de um shopping. O exagero da música de Hans Zimmer, que sufoca a acção sendo omnipresente. Vale a pena referir que a banda sonora é bastante boa, apesar de concordar com o seu recurso excessivo.

Nolan foi comparado a Hitchcock e então os intelectualoides cairam-lhe em cima, dizimando-o. É óbvio que o talento de Hitchcock é irrepetível, sendo um dos maiores mestres do cinema, e não se devem tecer comparações gratuitas consigo. E causa-me tanta impressão quem os compara como os intelectuais que levam essas comparações tão a sério que fazem tertúlias á volta dessa questão.

DiCaprio não impressiona num papel que tem muitas semelhanças com o seu personagem anterior, no filme de Martin Scorsese, Shutter Island.

Ora, quanto a mim, não devemos ser tão extremos no que toca a este filme.

É um blockbuster, é certo. Perde-se demasiado em cenas de acção e tiros (particularmente na cena da neve) mas foca-se em temáticas interessantes. Nolan vai seguindo uma temática que incide no lado negro do ser humano.

Para os haters só digo isto, preferem um blockbuster de Nolan ou uma total americanada que trata os os cinefilos como brainless totais?

Outra coisa que não consigo deixar de pensar é como Inception faz Avatar parecer uma brincadeira de crianças sem qualquer nexo.

Que venham os blockbusters inteligentes.

Discos de Uma Vida: 005

2010-07-21T00:25:00.001+01:00

David Bowie - The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (1972)

A1 Five Years
A2 Soul Love
A3 Moonage Daydream
A4 Starman
A5 It Ain't Easy
B1 Lady Stardust
B2 Star
B3 Hang On To Yourself
B4 Ziggy Stardust
B5 Suffragette City
B6 Rock 'n' Roll Suicide

Este é, por muitos considerado o melhor de todos os discos de David Bowie. Um clássico absoluto que habita no panteão dos Deuses, ao lado dos mais variados discos dos The Beatles, Bob Dylan, Led Zeppelin, Pink Floyd ou The Velvet Underground, entre tantos outros de uma época dourada.
E objectivamente, o que temos entre mãos são 11 temas de glam rock (não confundir com o seu filho bastardo hair rock), completamente perfeitos.
Mas como se sabe, nem só de talento vivem as lendas. Há aquela parte, chamada de Factor X, que eleleva uma obra artística a obra-prima e que não é comum.
De modo a atrair as atenções para si, David Bowie afirmou ser bissexual, foi para estúdio poucas semanas depois de editar Hunky Dory e criou uma persona que vai muito além das interpretações de palco.
Sendo um artista no verdadeiro sentido da palavra, que além de músico também pinta e representa, não foi difícil para Bowie "ser" Ziggy Stardust.
Ziggy é um alien em forma humana, que vive como rockstar e que tenta transmitir uma mensagem de esperança para os últimos 5 anos que restam á humanidade. Vive de excessos e acaba por se auto-destruir na sua caminhada para o estrelato.
Uma nota também para o guitarrista Mick Ronson, que se excede e cuja performance culmina em Moonage Daydream. Não pensem que existem fillers porque não é verdade.
Escolham um qualquer tema e deliciem-se com ele... No entanto, este é um disco conceptual, sobre Ziggy e o mundo que o rodeia e o melhor será mesmo ouvi-lo e dissecá-lo de uma ponta á outra.

All The Stars Are Dead Now: José Saramago

2010-06-18T17:30:00.002+01:00

José Saramago faleceu hoje, por volta das 12:45, em sua casa em Lanzarote.
A sua obra é enorme e talvez demasiado á frente para um povo tão retrógrado quanto o português.
A maneira como contava as suas histórias mirabolantes pode parecer um entrave a alguns, mas quem disse que a verdadeira arte é fácil??

Nunca foi...

Discos de Uma Vida: 004

2010-06-15T02:40:00.006+01:00

Boards Of Canada - Geogaddi (2002)

1. Ready Lets Go
2. Music Is Math
3. Beware The Friendly Stranger
4. Gyroscope
5. Dandelion
6. Sunshine Recorder
7. In The Annexe
8. Julie & Candy
9. The Smallest Weird Number
10. 1969
11. Energy Warning
12. The Beach At Redpoint
13. Opening The Mouth
14. Alpha & Omega
15. I Saw Drones
16. The Devil Is In The Details
17. A Is To B As B Is To C
18. Over The Horizon Radar
19. Dawn Chorus
20. Diving Station
21. You Could Feel The Sky
22. Corsair
23. Magic Windows

Foram precisos quatro anos passarem até o mundo ver o sucessor de Music Has The Right To Children, o disco que colocou o nome dos Boards Of Canada no mapa da música electrónica.
Quererá isto dizer que Michael Sandinson e Marcus Eoin atravessaram alguma crise de criatividade após um marco tão grande? Ou quererá apenas dizer que os Boards Of Canada se pautam por uma ética de trabalho em que o perfeccionismo é que manda? Ouçam este Geogaddi e vão perceber.
Geogaddi não quer dizer nada, e a intensão do duo escocês foi que cada um dos seus fãs atribuísse um significado, o seu próprio significado ao disco, depois de o ouvir.
Musicalmente Geogaddi segue um caminho muito próximo daquele iniciado em Music Has The Right To Children, mas aquelas harmonias que nos levam a locais distantes ainda presentes na nossa memória da infância tornaram-se desta vez um pouco mais frias, mais negras.
É como se no anterior disco fossemos assaltados por memórias de tardes solarengas, corridas na relva e pelo primeiro beijo, enquanto neste Geogaddi as memórias inferem mais aquela primeira vez que sentimos o risco, a adrenalina, o medo, e que perdemos uma relação.
Os Boards Of Canada produzem uma IDM (talvez o termo mais estúpido de sempre no que toca a rótulos musicais) que é á primeira vista simples devido ás suas melodias relaxantes e que ainda assim é cheia de subtilezas e profundidade, tudo envolto numa mística exponenciada pelos títulos das faixas, com referências a numerologia, ocultismo, hipnotismo e nostalgia caleidoscópica.
O disco não é fácil, tal a sua complexidade estrutural, porém deixem-no levar o seu tempo e revelar-se-á um dos melhores discos de música electrónica dos noughties.

BXI

2010-06-03T11:28:00.004+01:00

Há colaborações que fazem parte dos nossos sonhos apenas, são aquele nosso sonho molhado. Há outras que simplesmente não nos dizem nada, e por fim há aquelas que são apenas... muito intrigantes.

A mais nova neste campo junta os inclassificáveis Boris a Ian Astbury, o lendário vocalista dos The Cult. :o

A colaboração vai surgir num EP editado em Setembro pela Southern Lord e é constituído por 4 temas.

O alinhamento já está definido e o EP com o nome BXI será completo com os temas:

1. Teeth And Claws

2. We Are The Witches

3. Rain

4. Magickal Child

Sabe-se que Rain é uma conver dos The Cult e que será vocalizada por Wata, a guitarrista do grupo japonês.

Como destruir anjos?

2010-06-01T15:17:00.002+01:00

No ano passado, Trent Reznor disse que a sua banda de sempre ia parar de fazer música por tempo indeterminado, no entanto, como todos sabemos o workaholic que é, este ano foi apresentado um novo projecto.
Chama-se How To Destroy Angels e serve para catapultar a sua mulher, Mariqueen Maandig, para as atenções dos media, sendo ela a vocalista do projecto, que conta ainda com Atticus Ross que tem sido colaborador de Reznor nos últimos anos.
How To Destroy Angels soa a Nine Inch Nails com voz feminina, e o cunho de Trent Reznor, que foi considerado o músico mais influente dos anos 90, é demasiado óbvio.
Hoje pode ser descarregado gratuitamente o primeiro EP do projecto, que é homónimo, aqui.
O vídeo de apresentação, pode ser visto aqui e avisa-se já que é uma pequena obra-prima.
O EP é composto por 6 temas que perfazem 28 minutos e sairá para as lojas a 6 de Julho.

Vamos em frente...

2010-05-23T20:08:00.004+01:00

Os Mão Morta deram ontem aquele que foi o terceiro concerto de apresentação ao novo disco, Pesadelo Em Peluche, editado há um mês atrás. Depois de Lisboa e Faro, foi a vez da apresentação caseira, em Braga. No entanto, esta apresentação soube a pouco, devido ás características do concerto, inserido na Concentração Motard do Motoclube de Braga.
O colectivo mostrou músicas recentes como Teorias da Conspiração, Penitentes Sofredores, O Seio Esquerdo de R.P., Fazer de Morto, Novelos da Paixão e Tiago Capitão (numa das raras vezes em que se ouviram os teclados de António Rafael, e com Miguel Pedro a tocar guitarra sentado no kit de bateria). Adolfo Luxúria Canibal, igual a si mesmo continua a narrar e interpretar de forma brilhante.
As músicas resultam bem ao vivo, no entanto precisam de uma maior coesão, o que é normal por ser um dos primeiros concertos em que são mostradas.
Os clássicos também foram mostrados, como Oub'lá, E se Depois?, Cão da Morte, Tu Disseste, Amesterdão, Budapeste, Barcelona e 1º de Novembro.
Fica a sensação de saber a pouco e fica a ânsia de uma apresentação do disco como, em 2004, todo o conceito de Nus teve direito.

SGNL(End Transmission)

2010-05-19T10:17:00.003+01:00

ISIS has reached an end. Lê-se no comunicado no myspace da banda norte-americana.
Acaba assim um dos colectivos mais importantes da década passada, que esticou as barreiras da música para criar algo realmente importante e fresco. Os Isis sentem que a banda já disse tudo o que tinha a dizer e colocam um ponto final que se materializará quando acabarem a presente tour.
Ficam discos extremamente importantes, EPs, Lives, Remixes por artistas conceituados, videos e lembranças, lembranças de concertos suados, sentidos, espirituais e de comunhão.
Os Isis passaram em Portugal em Novembro passado pela primeira vez, num momento que pode ser recordado aqui.

Aaron Turner, Jeff Caxide, Mike Gallagher, Aaron Haris e Bryant Clifford Meyer:
OBRIGADO e até sempre...

30 anos depois...

2010-05-18T18:09:00.005+01:00

Faz hoje trinta anos que Ian Curtis, vocalista dos Joy Division, se suicidou, com apenas vinte e três anos.
Os Joy Division eram uma banda em pleno crescimento, fosse pela música negra e intensa ou pelas letras profundas e tocantes, mas o salto para a fama dar-se-ia no dia seguinte, dia em que rumavam aos Estados Unidos para uma tour por todo o país.
A personalidade conturbada de Ian, a doença que se manifestava cada vez mais frequentemente, a mulher e a amante, não o permitiram e Ian Curtis não resistiu, e ironicamente levaria o nome dos Joy Division ao topo, mas através do suicidio, tornando-se assim uma lenda...
E trinta anos depois, o que resta?
A música. A música dos Joy Division que vive um certo revivalismo que ultrapassa o culto que existiu durante anos, com muitas bandas a citarem o seu nome como inflûencia e cada vez mais jovens a considerarem-se fãs daquele som, negro, esparso, defeituoso, introspectivo e enérgico.
Dois LPs que são obras-primas autênticas e que ficam para a história, Unknown Pleasures e Closer, bem como algumas compilações póstumas com temas gravados antes da morte do vocalista.
Resta ainda um filme de Anton Corbijn, famoso fotógrafo que acompanhou a banda, entitulado Control, de 2007, e um documentário, do mesmo ano, realizado por Grant Gee.
Há também Touching From A Distance, uma biografia da sua esposa Deborah Curtis.
Ian Curtis suicidou-se na cozinha de sua casa, em Manchester. Antes disso contemplou a morte e a arte, ouviu The Idiot de Iggy Pop e viu Stroszek de Werner Herzog, curiosamente um magnífico filme sobre a dureza do sonho americano.

Sonic Youth

2010-04-26T20:46:00.004+01:00

Já passaram uns dias desde que os Sonic Youth passaram pelo Coliseu do Porto, na passada sexta-feira dia 23, e mesmo assim ainda sou assaltado por imagens recorrentes da minha memória visual.

O concerto centrou-se essencialmente na apresentação do último disco, The Eternal, de 2009.

Se é verdade que ainda não tinha dissecado o disco e apenas o tinha ouvido um punhado de vezes também é verdade que os temas resultam extremamente bem ao vivo. Este disco foi um regresso á boa forma, depois de uns 5 discos mais calmos, em que o ruído característico da banda nova-iorquina foi deixado para segundo plano.

O concerto centrou-se no último disco, passado a pente fino e intercalado por temas antigos.

No entanto, foi nos dois encores que todo o potencial da banda se revelou. Dois encores que repescaram temas antigos como The Sprawl, 'Cross The Breeze (que pessoalmente me levou ás lágrimas), Candle e o apocalíptico Death Valley 69.

Com 30 anos de existência os sónicos continuam muito jovens. Lee Ranaldo com a sua alegria contagiante ao tocar guitarra, que é quase palpável. Steve Shelley que continua certíssimo como acompanhante do ruído das guitarras tal como um relógio. Kim Gordon é um prazer. 57 anos de puro estilo, pinta e classe. Todas as senhoras do rock deveriam seguir o exemplo e a postura de Kim. Por último, Thurston Moore, o cérebro principal dos Sonic Youth. Moore é um teenager, ou melhor, um puto. Será que há 30 anos atrás escolheu o nome Sonic Youth por saber que nunca iria envelhecer??

Um concerto excelente e muito profissional. Dois encores que valeram por 95% dos concertos de outras bandas, que quase levaram o Coliseu abaixo. Se não acham, estivessem lá á frente a sentir tudo...

Mão Morta - Mutantes S.21 (1992)

2010-04-20T22:51:00.005+01:00

Já com Sapo na guitarra e em Dezembro de 1992, os Mão Morta editam aquele que é considerado por muitos, ainda hoje, como o melhor disco da banda de Braga, Mutantes S.21.
Adolfo Luxúria Canibal já tinha algumas das letras escritas sobre cidades e então, o grupo decidiu fazer o seu primeiro disco assumidamente conceptual, e além disso, todos os temas foram escritos para as letras que já existiam e em função dos ambientes que se queriam para as cidades.
Mutantes S.21 viaja por nove cidades, e entre elas estava Budapeste, o tema icónico que traria o sucesso e a banda para o mainstream nacional. O tema recebeu bastante airplay nas rádios e o seu video era o mais pedido em programas de televisão, com todo este sucesso o disco escalou o top de vendas nacional.
Apesar do reconhecimento que ganhou ás custas de Budapeste, a banda nunca sentiu que fosse justo ser representada por um único tema, curiosamente Carlos Fortes chegou a apresentar a música num concerto como "uma canção para atrasados mentais" e mais tarde, durante alguns anos, o grupo decidiu não tocar esse tema, como reacção aos pedidos unidireccionais do público.
Apesar de ser um disco conceptual, a parte musical é também bastante forte e os temas mostram-se musculados e viciantes, sendo que alguns possuem três guitarras e um baixo poderosíssimo, que nos ficam a ecoar pela cabeça durante muito tempo.
O grupo bracarense sempre assumiu também que este é um disco especial, uma vez que é o que se aproximou mais do resultado que seria esperado.
Esta foi uma época de excessos rock and roll, e a tour de apresentação a Mutantes S.21 foi marcada pelo álcool, os quartos de hotel com sangue nas paredes e as próprias banheiras cheias de sangue, além de relatos que falam em pessoas cozidas a sangue frio e pessoas que perdiam as calças na rua. A tour ficou ainda marcada por um facto inesperado, a destruição do Teatro Circo em Braga (em que nem o grande candeeiro resistiu), sobre a qual Adolfo refere: "Os Mão Morta não têm culpa nenhuma da destruição do Teatro Circo, ninguém tem culpa, são coisas que acontecem e o Presidente da Câmara mostrou-se perfeitamente compreensivo... aliás disse que preferia ter o Teatro Circo destruído, mas depois de uma enchente do que ter o Teatro Circo eternamente vazio".
Todo este sucesso e polémicas deram á banda a oportunidade de assinar por uma editora grande, a BMG, que editaria o disco seguinte...
Este é o maior disco de rock, no sentido mais restrito da palavra, de sempre em Portugal.

1 Lisboa (Por entre as Sombras e o Lixo)
2 Amesterdão (Have Big Fun)
3 Budapeste (Sempre a Rock & Rollar)
4 Barcelona (Encontrei-a na Plaza Real)
5 Marraquexe (Pç. das Moscas Mortas)
6 Berlim (Morreu a Nove)
7 Paris (Amour A Mort)
8 Istambul (Um Grito)
9 Shambalah (O Reino da Luz)

Adolfo Luxúria Canibal - voz
Miguel Pedro - bateria
Carlos Fortes - guitarra
António Rafael - teclas/guitarra
José Pedro Moura - baixo
Sapo - guitarra

Mão Morta - O.D., Raínha do Rock & Crawl (1991)

2010-04-17T14:16:00.003+01:00

Depois de Corações Felpudos, em 1990, os Mão Morta não perdem tempo e entram em estúdio para gravar aquele que seria o seu terceiro disco.
Ainda não tinha sido editado Corações Felpudos e já a banda bracarense estava a gravar o terceiro, que seria entitulado O.D., Raínha do Rock & Crawl.
A Área Total, editora da Guarda, não podendo editar Corações Felpudos (por ser um disco bastante mais caro) propõe que os Mão Morta gravem outro disco, num estúdio mais barato. Então o grupo compõe dois temas, dá uma nova roupagem a um outro mais antigo e improvisa mais dois em estúdio, com Adolfo a fazer a letra de Quero Morder-te as Mãos enquanto almoçava.
O.D., Raínha do Rock & Crawl mostra-se mais como um mini-álbum, com Adolfo Luxúria Canibal a assumir que "é um disco para que hoje olho e que sei que foi feito quase por brincadeira, é um disco que eu descreveria como menor, apesar das belíssimas canções que tem".
Já Miguel Pedro diz que "sinceramente, não me lembro da génese desse disco e apesar de me lembrar de o gravar e de me divertir imenso, tenho-o como o disco mais estranho que já fiz, porque não me lembro bem dele".
O disco é quase um regresso ao rock de guitarras depois dos devaneios mais melódicos de Corações Felpudos e também uma nova aproximação ao músculo e combate da fase inicial da carreira dos Swans.
Deste álbum fazem parte temas míticos como Charles Manson, Anarquista Duval ou Quero Morder-te as Mãos, temas que ainda hoje fazem parte do repertório ao vivo do grupo e ainda uma versão diferente da que os fãs conheciam de Bófia, tema mais pedido nas actuações. A separar os temas são lidos excertos de O Capital, de Karl Marx, pelos diferentes músicos.
O.D, Raínha do Rock & Crawl é editado na Alemanha, pela Big Noise e distribuído na Suiça, Austria e Checoslováquia pela Semaphore.
Zé dos Eclipses ainda grava o disco mas deixa a banda pouco depois, mudando-se para os Estados Unidos e para o seu lugar entraria Sapo, ex-Pop Dell'Arte.
No início do ano seguinte os Mão Morta são convidados para abrir o concerto dos Jesus And Mary Chain, concerto que fica marcado pelo atraso de José Pedro Moura no Casal Ventoso...

A1 Bófia
A2 Anarquista Duval
A3 Charles Manson
B1 Quero Morder-te as Mãos
B2 O Divino Marquês

Adolfo Luxúria Canibal - voz
Miguel Pedro - bateria
Zé dos Eclipses - guitarra
Carlos Fortes - guitarra
António Rafael - teclas
José Pedro Moura - baixo

All The Stars Are Dead Now: Peter Steele

2010-04-16T01:07:00.005+01:00

Hoje foi um dia mau. Desde que soube da morte de Peter Steele, ontem, dia 14 de Abril, devido a problemas cardíacos, que os sons mais negros dos Type O Negative não param de ecoar na minha cabeça.

Peter Steele tinha apenas 48 anos e apesar de nos deixar cedo, deixou-nos um legado único através da sua música, da sua boa disposição, do seu humor mais negro que o de qualquer outro humano á face da terra.

Peter Steele era os Type O Negative, uma banda que apesar de criada em 1990 até hoje permanece como única, e como tal é uma das grandes bandas do nosso tempo, como Faith No More, Rage Against The Machine, Pantera, Tool, Opeth, Meshuggah, Isis, Melvins, Nirvana ou tantas outras. Apesar de extremamente influentes, os Type O Negative são únicos, e a sua proposta de metal gótico e depressivo misturado com os rasgos de ironia e alegria será para sempre a marca da personalidade vincada de Peter Steele.

As palavras de homenagem a Peter Steele são sempre poucas, perdoem-me.

Deixo apenas uma frase que li há uns anos e que sempre recordarei, a propósito de a música dos Type O Negative ser tão única.

"Isso é como a cagada de qualquer pessoa. A merda vai ser sempre diferente!"

Mão Morta - Corações Felpudos (1990)

2010-04-11T14:49:00.003+01:00

Um ano antes da edição do segundo disco, o grupo bracarense marcou pela imprevisibilidade e visceralidade dos seus concertos, principalmente o do Rock Rendez-Vous, em que Adolfo Luxúria Canibal se cortou na perna, com uma faca. "Quando me cortei num concerto dos Mão Morta, fui longe demais, era uma faca nova mais afiada do que eu pensava. O ambiente na sala estava pesadíssimo, havia necessidade de aplacar um bocado as coisas e eu pensei que o sangue poderia acalmá-los... o sangue assusta. Afinal o sangue acabou por ser demais, e aí é que eu vi que tinha feito asneira". Toda a exposição de que o grupo era alvo trazia marcas e Adolfo comentava "Estou farto da música. Estou a pensar sair dos Mão Morta em Novembro ou Dezembro (...) Estou farto de tocar ao vivo. É uma das razões porque os Mão Morta têm problemas. Tocamos todos os fins-de-semana e não gosto."
No entanto, era o fim da linha, não para o vocalista, mas sim para Joaquim Pinto, baixista e membro fundador. A partir daqui, e até dias de hoje, Adolfo Luxúria Canibal e Miguel Pedro mantêm-se os dois membros fundadores e figuras maiores da Mão Morta.
Para o lugar de baixista entra, em 1990, José Pedro Moura e pouco depois, António Rafael, membro que ainda hoje permanece na banda, entra para os teclados.
Com o ânimo da gravação do primeiro disco, que se tinha mostrado tão fácil, os Mão Morta entram em estúdio com a intensão de compor e gravar novos temas com a facilidade que este lhes oferece, no entanto apenas os pequenos temas instrumentais que fazem parte do disco foram criados nessa altura.
A banda, frustrada, pára por algum tempo, para compor novos temas devidamente e regressa apenas ao estúdio com material digno de gravação. Adolfo Luxúria Canibal considera Corações Felpudos um disco "particular", na medida em que, foi um disco que lhes abriu inúmeras portas, por ser bastante diferente do primeiro. Admite ainda que o disco é algo incoerente, e mesmo com bons temas, há outros que deveriam ter sido trabalhados melhor.
Miguel Pedro e Adolfo consideram este um disco muito marcado pela composião de Zé dos Eclipses, em que ele imprimiu a sua forma de tocar muito sui generis á composição dos temas, e que este é um disco de "ressaca existencial", mais introvertido, e de uma "falsa" serenidade, pois apesar de haver muita angústia contida, ela nunca explode.
Corações Felpudos foi editado pela Fungui, marca de malas e carteiras de Vitor Silva, manager dos Mão Morta áquela data.

A1 Ventos Animais
A2 Olho da Máscara
A3 Desmaia, Irmã, Desmaia
A4 Fogo Fátuo
A5 Destilo Ódio
A6 Fado Canibal
A7 Cristina Vai ás Compras
B1 Maria, Oh Maria
B2 É uma Selvajaria
B3 Santana Menho
B4 Freamunde Acapulco
B5 Facas em Sangue
B6 Arlequim

Adolfo Luxúria Canibal - voz
Miguel Pedro - bateria
Zé dos Eclipses - guitarra
Carlos Fortes - guitarra
António Rafael - teclas
José Pedro Moura - baixo

Mão Morta - Mão Morta (1988)

2010-04-10T20:06:00.009+01:00

Em jeito de celebração dos 25 anos de carreira daquele que é um dos mais importantes projectos musicais nacionais, aqui pelo blog vai ser feita uma pequena retrospectiva pela discografia da banda como homenagem ao seu percurso...

Reza a lenda que a banda bracarense teve como impulso para nascer, uma conversa entre Joaquim Pinto e Harry Crosby, o baixista dos lendários Swans, em Berlim, em que o último lhe disse que tinha cara de baixista. Um mês depois, de regresso a Braga, Joaquim Pinto, ainda em extase com o mundo novo que tinha descoberto (musical e não só), compra um baixo e forma, juntamente com Miguel Pedro e Adolfo Luxúria Canibal, os Mão Morta.
Estes dois últimos já tinham feito parte de outros projectos, os Bang-Bang (juntamente com Zé dos Eclipses), os AuAuFeioMau e os PVT Industrial. Estava então composto o núcleo dos Mão Morta, com Joaquim Pinto no baixo, Miguel Pedro na guitarra e Adolfo Luxúria Canibal nas vocalizações e ritmos pré-gravados e, é esta a formação que dá o primeiro concerto.
No entanto, pouco depois junta-se á banda o guitarrista Zé dos Eclipses, passando Miguel Pedro para a bateria. Já com Carlos Fortes na segunda guitarra e sendo já alvo de atenção pelas carismáticas interpretações ao vivo (incluindo a abertura de concertos de um leque de artistas como Wire, Nick Cave And The Bad Seeds, Young Gods ou The Jesus And Mary Chain), o colectivo bracarense grava o seu primeiro disco homónimo.
João Peste, membro dos Pop Dell'Arte, oferece contracto através da sua editora Ama Romanta e é daqui que saem os primeiros hinos dos Mão Morta.
Este é um conjunto de canções que estavam bem oleadas, pois a banda já as tocava há muito tempo nos seus concertos. O disco foi gravado em apenas três dias, fruto da experiência e entrosamento do grupo. As canções apesar de terem estruturas primitivas, repetitivas e rudes são enérgicas e urgentes. É um disco que soa muito fresco para o panorama musical do Portugal de finais da década de 80. O estilo tão característico de Adolfo Luxúria Canibal torna os Mão Morta numa banda sem igual e este LP seria apenas o início de uma longa caminhada...

A1 E Se Depois?
A2 Até Cair
A3 Sitiados
B1 Oub'Lá
B2 Carícias Malícias
B3 Aum

Adolfo Luxúria Canibal - voz
Miguel Pedro - bateria
Joaquim Pinto - baixo
Zé dos Eclipses - guitarra
Carlos Fortes - guitarra

Murder?

2010-04-06T01:10:00.002+01:00

1. The Water Glass 4.16
2. Evil New War God 4.48
3. Pig House 5.29
4. I'll Finish You Off 4.57
5. Electric Flower 3.27
6. Hospital Up 5.38
7. Inhumanity And Death 3.03
8. My Generation? 7.39
9. P.G. x 3 6.20

Andrei Tarkovsky

2010-04-04T22:00:00.002+01:00

Se fosse vivo, Andrei Tarkovsky faria hoje 78 anos. Não poderia deixar de assinalar o aniversário do realizador russo (que coincide com o meu).
Andrei Tarkovsky conta com poucos filmes na sua filmografia, no entanto, todas as suas obras são de uma importância capital no cinema mundial. Entre as suas obras sempre contemplativas, interrogativas e deambulantes contam-se títulos como Ivanovo Deststovo, Andrey Rubliov, Solyaris, Zerkalo, Stalker, Nostalghia e Offret, que lidam quase sempre com questões ligadas á fé, humanidade, redenção ou natureza, e utilizam o som, a poesia, longos planos, travellings de câmara excepcionais para marcar o imaginário do lendário cineasta.
Só se torna difícil, para mim, eleger Andrei Tarkovsky como o meu realizador preferido de sempre porque existe a figura de Ingmar Bergman, no entanto, esses dois génios são os meus eleitos para melhor realizador de sempre.

Andrei permanece como um génio e um dos cineastas mais originais e únicos de toda a história da sétima arte.

Uma versão...

2010-04-03T19:34:00.008+01:00

Confesso que videos do Youtube na blogosfera não me cativam minimamente... Acho-os uma desculpa para um novo post sem se ter realmente algo a dizer, e neste mundo cibernético em que qualquer um de nós pode ser quem quiser, por vezes é mais sensato o silêncio que uma falsa verdade...

Mas vamos ao que interessa... Esta é uma das melhores rendições que ouvi deste tema que é um dos meus preferidos. Depois dos tributos do The String Quartet Tribute aqui fica uma nova homenagem, desta vez mais oriental...

Discos de Uma Vida: 003

2010-03-24T13:09:00.006Z

Sonic Youth - Daydream Nation (1988)

Ao sexto disco, os nova-iorquinos Sonic Youth aperfeiçoou a sua fórmula. Mas falar em Sonic Youth e fórmula na mesma frase pode ser um pouco estranho, uma vez que o grupo nunca se limitou a criar uma fórmula e, ao invés, tentou sempre evoluir e criar algo relevante.
Mas voltando ao assunto, Daydream Nation editado como duplo LP, catapultou a banda para as luzes da ribalta.
O disco começa com Teen Age Riot, tema mítico que se tornou hino de toda uma geração que queria fazer-se ouvir, tema que fantasia J Mascis, líder dos Dinosaur Jr. como presidente, como viria Thurston Moore a revelar "It was actually about pointing J Mascis as our de facto alternative dream president"
Grande parte dos temas tem secções noise, que tinham sido levadas a cabo com horas de improviso, em que Moore e Lee Ranaldo, com as suas estranhas afinações deambulavam e criavam paisagens sonoras pouco ortodoxas para a altura.
Dignos de relevo são os temas Hey Joni, uma homenagem á cantora canadiana Joni Mitchell (que Moore disse influenciar o som da banda mais do que qualquer um de nós pensa), The Sprawl, baseado em contos de ficção científica, Eric's Trip (sobre o monólogo de Eric Emerson, completamente induzido pelo LSD, no filme Chelsea Girls de Andy Warhol).
No final, temos Trilogy, onde tudo se transforma e vai ainda mais longe, (um pouco ao jeito de Sister Ray dos The Velvet Underground) e o noise e o experimentalismo tomam conta de nós.
As letras são intensas, surreais e cuspidas por Kim Gordon, Moore e Ranaldo, como sempre. Daydream Nation é indúbitavelmente um clássico e até o melhor disco de 1988.

1. Teen Age Riot
2. Silver Rocket
3. The Sprawl
4. 'Cross The Breeze
5. Eric's Trip
6. Total Trash
7. Hey Joni
8. Providence
9. Candle
10. Rain King
11. Kissability
12. Trilogy:

a) The Wonder
b) Hyperstation
z) Elimination Jr.

Akira Kurosawa

2010-03-23T12:39:00.005Z

Hoje, comemora-se o centésimo aniversário do nascimento do cineasta japonês Akira Kurosawa.
Considerado - e muito bem - um dos maiores realizadores de sempre, Kurosawa obteve mais sucesso no mundo ocidental que na sua terra natal, onde a adaptação de escritores como William Shakespeare, Fyodor Dostoyevsky, Maxim Gorky ou Evan Hunter era vista com algum desdém.
Os seus filmes, técnicamente perfeitos e, com uma moral inerente, bem como a compreensão do ser humano, são clássicos absolutos e fazem parte da sua obra títulos como Rashômon, Ikiru (To Live), Shichinin No Samurai (Seven Samurai), Kumonosu-jô (Throne Of Blood), Kakushi-toride No San-Akunin (The Hidden Fortress), Yojimbo (The Bodyguard), Akahige (Red Beard), Dersu Uzala, Kagemusha ou Ran.
O conselho para hoje é o visionamento de qualquer um destes filmes, ou de qualquer outro da sua extensa obra com quase 30 filmes, em jeito de comemoração da vida daquele que é um dos meus realizadores preferidos...

A Single Man

2010-03-21T18:56:00.007Z

O filme passa-se num dia, 30 de Novembro de 1962, e mostra-nos a vida de George Falconer, um professor universitário que é confrontado com a notícia da morte do seu companheiro dos últimos 16 anos.
George vive esse dia dando pistas da sua intenção de se suicidar, sendo extremamente simpático para todas as pessoas que encontra e saboreando todas as conversas, rostos, olhares e movimentos de cada uma, uma alusão ao que há de melhor no mundo, as pessoas.
Tom Ford, conhecido pelo seu trabalho como designer de moda da Gucci e da Yves Saint Laurent, tem aqui o seu primeiro trabalho como realizador e mostra-se uma esperança na sétima arte. A sua oferta é um filme muito estilizado e com um grande rigor estético. Além disso dota o filme de grande sensibilidade, beleza e inteligência.
Colin Firth (que a mim me lembra Marcello Mastroianni no magnífico 8½) tem a melhor interpretação da sua vida, um retrato subtil e extremamente bem conseguido, digno da sua nomeação ao Oscar. Julianne Moore excelente como sempre, talvez a melhor actriz da actualidade e, Nicholas Hoult (que vimos na série Skins) compõem o núcleo de personagens a grande nível.
Desengane-se quem acha que A Single Man é um filme sobre gays e moda. Este é um portentoso ensaio sobre o amor (haverá alguma diferença entre amor hetero ou homossexual?), a solidão, o medo da solidão, do peso da idade e da morte. Há profundidade e relevância neste filme, e a morte é tema central e muito bem explorado. E por falar em morte, o flashback da cena da praia não vos faz lembrar algumas peças cinematográficas de Ingmar Bergman??
Um dos melhores filmes de 2009, que nos deixa com um amargo na boca pelo facto de ter sido completamente esquecido pela Academia, principalmente face á mediocridade dos títulos que pela última cerimónia apareceram...

O regresso de um ícone...

2010-03-17T22:59:00.010Z

Este senhor é Gil Scott-Heron e se não o conhecem sintam-se culpados, verdadeiramente culpados...

Gil Scott-Heron é o responsável pela mítica frase The Revolution Will Not Be Televised, fruto do seu forte activismo político, é um poema e uma canção do seu primeiro disco, Pieces Of A Man de 1971.
Scott-Heron é também um padrinho do rap e hip-hop, ocupando um lugar como o de Iggy Pop para o punk. De facto, Scott-Heron evidenciou sempre no seu spoken-word um certo proto-rap, que viria a influenciar toda a geração de músicos da música negra, principalmente norte-americana, o que lhe daria o título de "Bob Dylan negro".
A sua vida privada, no entanto, foi um verdadeiro caos, e agora em 2010 surge com um novo disco, o primeiro de originais em 16 anos. Anos esses em que teve bastantes problemas com drogas, com a lei, estando preso em boa parte desse tempo e, com a saúde (Scott-Heron foi libertado por presumível HIV positivo e problemas com a medicação).

Aos 60 anos, oferece-nos I'm New Here, um disco que é como um renascer de um músico, que apesar de ser omnipresente na música actual era desconhecido para toda uma nova geração.
E neste disco, talvez fruto da sua idade, Scott-Heron surge mais verdadeiro do que nunca. Cada palavra é sentida desde o pensamento até ser expelida pela sua voz trémula, inconstante e ao mesmo tempo cheia de vida e sabedoria.
I'm New Here, editado pela independente XL Records, apresenta-se incontornavelmente como um dos melhores do ano. Há no disco muito spoken-word, muito blues, soul, folk e electrónica. Há ecos de Massive Attack, Johnny Cash, Bob Dylan, Leonard Cohen, ou Tom Waits, mas há acima de tudo um Scott-Heron despido... verdadeiro.
I'm New Here é um disco de uma vida, sentido até ao tutano, capaz de nos levar ás lágrimas nos seus momentos mais fortes, negro, belo nos momentos mais frágeis e acima de tudo, indispensável.
O vídeo de apresentação do disco pode ser visto aqui...

Gil Scott-Heron actuará dia 17 de Maio na Aula Magna em Lisboa. Um concerto para o Porto foi também anunciado há mais de um mês, no entanto até agora não há confirmação do espectáculo em nenhuma sala da invicta.

Nenhum de nós será capaz de entender o verdadeiro significado deste disco...

The Dillinger Escape Plan - Option Paralysis

2010-03-14T19:12:00.003Z

O disco novo dos norte-americanos The Dillinger Escape Plan, entitulado Option Paralysis estará á venda a partir do próximo dia 22, no entanto já circula pela internet.
Depois de cumprido o contrato com a Relapse Records, a banda move-se agora para a Season Of Mist, selo franco-americano com origem em 1996. Esta nova associação surge depois dos The Dillinger Escape Plan mostrarem algum descontentamento com o trabalho feito para a promoção do anterior, Ire Works.
Se os TDEP se podem queixar do trabalho desenvolvido pela editora e distribuidora, podem também queixar-se de si próprios, isto porque Ire Works foi quase um tiro no pé. A instabilidade em torno do grupo era enorme. O guitarrista Brian Benoit tinha abandonado devido a problemas na mão esquerda, e quem conhece os TDEP sabe bem o quão exigente é tocar o seu repertório. O baterista Chris Pennie abandonou antes da gravação do disco. A pressão para superar Miss Machine era muita e Ire Works é quase o disco maldito do colectivo de New Jersey.
Este novo Option Paralysis revela-se outra bomba com múltiplas explosões constantes, experimentalismo qb e as doses de melodia e refrões catchy necessários para por o nome do grupo na frente do mathcore (raio de expressão) outra vez.
O disco conta com um convidado muito especial, Mike Garson, de 64 anos. O pianista que contribuiu para clássicos como Alladin Sane (e o mítico tema homónimo) de David Bowie e The Fragile dos Nine Inch Nails, para além de Mick Ronson, Stan Getz ou os The Smashing Pumpkins.
É demasiado óbvio por esta altura que nunca mais surgirá um disco como Calculating Infinity, mas a música dos TDEP é de um calibre muito superior, por isso, alguém se importa??

Mycale

2010-03-12T21:23:00.006Z

Mycale é um quarteto vocal constituido por Basya Schechter, Ayelet Rose Gottlieb, Malika Zarra e Sofia Rei Koutsovitis.
Atente-se no texto promocional do novo disco da série Book Of Angels de John Zorn, com a performance de Mycale e com o nome Mycale: The Book Of Angels Volume 13.

Get ready for a whole new approach to Masada music! Expressive and passionate, Basya Schecter, Ayelet Rose Gottlieb, Malika Zarra and Sofia Rei Koutsovitis are four of the most creative vocalists around. Each the leader of a dynamic band of their own, they come together here in an intimate a cappella setting to interpret eleven songs from Zorn's remarkable Book of Angels. With lyrics in Hebrew, Yiddish, Ladino, French and Arabic drawn from Rumi, Fernando Pessoa, The Hebrew Bible and more, the Masada vocal project is perhaps the most hauntingly beautiful installments in the entire Angels series. Dynamic and evocative New Jewish Music from four powerful women vocalists!

Novo grito...

2010-03-10T17:53:00.005Z

O novo álbum da melhor banda de sempre estará disponível nos escaparates a partir do dia 1 de Junho, mais uma vez pela mão da Ipecac Records.
Do novo disco sabe-se apenas o nome, que é uma vez mais, bastante enigmático:

THE BRIDE SCREAMED MURDER

Recorde-se ainda que este é o terceiro disco desde que a formação de sempre, Buzz Osborne e Dale Crover, acolheu Coady Willis e Jared Warren, o baterista e o baixista que constituem os Big Business.
O álbum sucede aos sucessos que foram (A) Senile Animal (2006) e Nude With Boots (2008).

Oscars 2010

2010-03-08T21:10:00.004Z

Sendo 2009 um ano com uma fraca colheita de cinema, facto evidenciado pelo regresso aos 10 nomeados na categoria de melhor filme, o que já não acontecia desde 1943, ano em que Casablanca arrecadou o trofeu e, este regresso á nomeação de 10 fitas até poderia parecer indicar qualquer coisa. Se a última vez que este formato existiu foi um filme por demais icónico que saiu vencedor, será que neste regresso, teríamos como vencedor um filme que (supostamente) mudou todo o contexto do cinema?
A cerimónia de ontem não teve o mesmo dinamismo que a do ano passado, em que Hugh Jackman se revelou um verdadeiro showman, no entanto foi agradável assistir á química entre Steve Martin e Alec Baldwin.
Todos os Oscars foram bastante óbvios e da noite de ontem não saiu qualquer surpresa. Posso mesmo dizer que acertei para quem iam as estatuetas douradas em 90% dos casos, seja por ter visto os nomeados ou por leituras por aqui e por ali...
A única surpresa (que para mim não foi) foi a derrota de Dass Weisse Band, de Michael Haneke em favor de El Secreto de Sus Ojos de Juan José Campanella na categoria de melhor filme estrangeiro.
O ponto alto da noite foi mesmo a vitória de Kathryn Bigelow no Oscar de melhor realização, tornando-se assim na primeira mulher a ter a referida estatueta desde 1927, e sendo apenas a quarta mulher, em quase 100 anos, a ser nomeada, depois de Lina Wertmüller, Jane Campion e Sofia Coppola, além disso, o desafio era interessante, uma vez que Bigelow competia directamente com James Cameron, seu ex-marido, e realizador do (suposto) filme mais caro de sempre, mais rentável de sempre e que mudaria o modo como entendemos o cinema.
Avatar foi completamente esmagado por The Hurt Locker, e conseguiu apenas 3 Oscars contra os 6 do que arrecadou o filme de Bigelow.
Apesar dos nomeados não serem a meu ver os melhores, e pergunto-me onde andam filmes como (500) Days Of Summer, A Single Man ou The Road, fez-se justiça e a Academia não cometeu o erro crasso de eleger um filme fraco como Avatar como melhor filme, como já por muitas vezes aconteceu.
Espera-se que 2010 seja uma melhor colheita de cinema e adianto já que o ano começou bem, pois Shutter Island de Martin Scorsese é uma obra de enorme calibre.

2010-02-26T00:11:00.001Z

FUCK IT!

2010-02-24T00:45:00.000Z

And as the night turns into day
Will the sun illuminate your way
Or will the nightmares come home to stay
Xavier's love lies in chains

O regresso do mal...

2010-02-19T18:01:00.003Z

1. Leukes Renkespill (Introduksjon) 00:32
2. Belus' død 06:13
3. Glemselens Elv 11:36
4. Kaimadalthas' Nedstigning 06:31
5. Sverddans 02:23
6. Keliohesten 05:35
7. Morgenrøde 08:38
8. Belus' Tilbakekomst (Konklusjon) 09:10

O senhor Varg Vikernes, que saiu da prisão no ano passado, após ter cumprido 15 anos pela morte de Euronymous, guitarrista dos Mayhem, tem nova música com o seu projecto de sempre, Burzum.
Liberdade e disco novo, Belus, que leakou hoje. O disco é o verdadeiro sucessor do clássico Filosofem, uma vez que na prisão, Vikernes editou dois discos, mas estes eram ambientais.
Ainda está quentinho, vou ouvi-lo... ;)

Avatar ou a "descoberta" do 3-D

2010-02-13T16:01:00.008Z

Vi recentemente o filme do momento, Avatar de James Cameron em 3-D.
Muito se tem falado desta fita, como a salvação da indústria cinematográfica, e a verdade é que ainda recentemente fomos invadidos com uma histeria anormal pela notícia que o último filme do realizador canadiano bateu o record de lucros nas bilheteiras, mas isso não será totalmente verdade.

Citando João Lopes como fonte:

"Assim, o filme mais rentável de sempre continua a ser E Tudo o Vento Levou (1939), já que as suas receitas, cerca de 200 milhões, correspondem a um valor próximo dos 1500 milhões, quase o triplo daquilo que Avatar conseguiu até agora. Na lista de receitas corrigidas pela inflação, Avatar surge não em primeiro, mas no 30º lugar. No Top 10, o único filme dos últimos 25 anos é Titanic (6º lugar). Por exemplo, Branca de Neve e os Sete Anões (1937) ocupa o 10º lugar com 800 milhões de receitas."

Ora, penso que há que distinguir dois fenómenos completamente diferentes. Um é o filme e o outro é a tecnologia 3-D.
Quanto ao 3-D assume-se como uma ferramenta que pretende trazer algo novo para os espectadores, tentar que a experiência nas salas de cinema seja mais directa, e a verdade é que o 3-D é agradável, se bem que, uns minutos depois do início do filme, uma vez acostumados ao relevo da tela, a surpresa desaparece e só a espaços nos cativa realmente.
Avatar, o filme é um filme sensaborão, insípido e de um vazio alarmante. O argumento é de tal forma básico que um grupo de pré-adolescentes conseguiria inventar esta história numa tarde de aborrecimento total.
Avatar é Pocahontas + The New World, sem nunca chegar a níveis de emoção de qualquer um destes.
Os desempenhos são dignos de um qualquer filme de sábado á tarde e não de uma obra com tantos milhões envolvidos. Sam Worthington desempenha a personagem principal sem lhe dar nenhum relevo (algo a que o argumento não ajuda, pois nenhuma das personagens tem o mínimo de relevo), Michelle Rodriguez é horrível e no papel de sempre, tal como Stephen Lang. Giovanni Ribisi parece que se perdeu como actor e só Sigourney Weaver é digna de uma representação sóbria, que no entanto não acrescenta absolutamente nada ao que já fez.
Os visuais são sem dúvida o ponto forte do filme, que têm arrabatado a audiência pelas suas cores e pelo universo de Pandora.
É óbvio que um blockbuster norte-americano tende a ser apenas uma fonte de entretenimento para quem visiona a fita, no entanto, no meu caso nem isso foi. Nada.
James Cameron realizou três bons filmes, sem qualquer dúvida, e eles são The Terminator, The Terminator 2 e Aliens. As histórias eram cativantes as sequências de acção lancinantes, mas em Avatar nada disso existe. Apenas um grande vazio de ideias.
Para ajudar, a banda sonora original de James Horner é horrível, já para não falar no tema cantado por Leona Lewis com que somos brindados no decorrer dos créditos finais. Lembram-se do tema que Celine Dion cantou em Titanic? Pois comparada com I See You, deste Avatar, essa canção era uma benção.
Além de tudo isto, o filme está impregnado com moralismos que a mim nada me agradam. A componente ecológica/ambientalista está muito vincada, como é moda nos dias de hoje.
Avatar não é o filme do ano, muito menos da década. E não é sequer um grande filme.
No Estoril Filme Festival, João Lopes questionou Francis Ford Coppola sobre o que achava do fenómeno 3-D, ao que este respondeu:

"Acho que é uma brincadeira. No essencial, o 3-D não mudou desde os anos 50, continua a ser com óculos. Não passa de uma tentativa patética dos estúdios para combater a pirataria, os downloads e outras formas de entertainment como o desporto. Alguém acredita que o 3-D pode melhorar uma má história?"

E com isto termino.

SY nos coliseus!

2010-02-01T17:09:00.002Z

Saio do caixão só para dar aquela que é a notícia do mês.
Sonic Youth em Portugal. No Coliseu de Lisboa a 22 de Abril, e no dia 23, cá no Porto!
Ver o que o senhor Thurston Moore faz á guitarra ao vivo vai ser lindo...

2009-12-26T23:50:00.002Z

Naked - Mike Leigh (1993)

2009-12-16T01:08:00.009Z

Numa semana em que mal tenho tempo para me dedicar ás coisas que gosto, arranjo só um tempinho para falar no último filme que deixou as minhas necessidades cinéfilas completamente preenchidas, ou melhor, extasiadas.
Naked, é um filme que Mike Leigh realizou em 1993 e é, quanto a mim, um dos melhores filmes da década de 90, com um lugar bastante alto se reduzirmos a amostra ao velho continente.
A história é bastante simples. Johnny (David Thewlis) foge de Manchester para Londres, em busca da sua ex-namorada Louise (Leslie Sharp), após uma relação sexual que deu para o torto. E basicamente, é esta a história.
No entanto, todo o filme está cheio de encontros de Johnny com diversas personagens, todas elas excêntricas á sua maneira. Todas essas personagens obtêm representações ao mais alto nível, como por exemplo, o bastante jovem Ewen Bremner (o Spud de Trainspotting), que dá vida a Archie, ou então Katrin Cartlidge, a Sophie, uma viciada em heroína que desespera por ser amada.
Se todas as personagens estão bem representadas, a cereja no topo do bolo vai mesmo para David Thewlis, com uma intrepretação grandiosa, que nos faz ter a certeza que existem muitos lobbies, na indústria e nos prémios atribuídos (olá Oscars), pois esta interpretação é das melhores que vi em fita.
Johnny é um anti-heroi, tão céptico como crente, tão apaixonado como destrutivo. Negativista e irónico, depressivo ou retórico. Espelha dúvidas e avança com teorias. Aprecia clássicos de leitura. E a bíblia também...
Mike Leigh, quase não definiu um guião, e grande parte do filme foi baseado em improviso, resultando num character study visceral, que foge a todos os lugares comuns, atente-se no facto de Leigh filmar bastantes cenas-chave em escadas, lugares que são considerados não-lugares.
Naked, é um filme obrigatório e infelizmente bastante, e reforço o bastante, ignorado.

Parabéns Tom...

2009-12-07T17:52:00.003Z

Um dos meus músicos de eleição, o senhor Tom Waits comemora hoje 60 anos.
Dono de uma voz inconfundível, descrita como "se este tivesse bebido um bidão de Bourbon, deixado numa sala cheia de fumo durante meses e depois atropelado por um carro", a verdade é que o senhor Waits canta e faz discos como ninguém há já 36 anos, contando com 19 discos de estúdio, entre os quais o triplo Orphans: Brawlers, Bawlers & Bastards, que data de 2006. Já este ano e há poucas semanas atrás editou o disco duplo ao vivo, Glitter And Doom Live.
Tom Waits também tem uma carreira no cinema e trabalhou por diversas vezes com realizadores como Jim Jarmusch ou Francis Ford Coppola, ora como actor, ora como criador de bandas sonoras (todas de merecido destaque) para obras como, One From The Heart, The Outsiders, Rumble Fish, Down By Law, The Fisher King, Dracula, Coffee And Cigarettes e no pronto a estrear The Imaginarium Of Doctor Parnassus de Terry Gilliam.

"No, I don't have a drinking problem except when I can't get a drink."

"All hardware items must be admired for their sonic properties: pitchforks, egg beaters, crowbars, fireplace grates, shovels, anvils, rebars [the structural reinforcement rods used in poured concrete], trash cans - the list goes on and on and they're all waiting to be played."

Agora, uma rica prenda, não para ele mas para mim seria um concerto por cá...

Offret - Andrei Tarkovsky (1986)

2009-12-06T13:32:00.007Z

Falar de Andrei Tarkovsky é sempre uma tarefa difícil. Um génio inconstestado na arte de fazer cinema, este cineasta russo chegou a um nível a que só os melhores são capazes.
Vi Offret (O Sacrifício em português) há dois dias e ainda hoje existem imagens, diálogos e momentos no filme que me deixam a pensar.
Ora, Offret foi o último filme de Tarkovsky e foi rodado na Suécia, com a ajuda dos habituais colaboradores de Ingmar Bergman, como Erland Josephson, Allan Edwall ou o lendário director de fotografia Sven Nykvist.
Esta obra-prima conta a história de Alexander (Josephson), um ex-actor e professor de filosofia e estética que convida os seus amigos para o seu aniversário, no entanto nessa noite é declarada a Terceira Guerra Mundial, um acontecimento que afecta a todos os presentes. No entanto, Otto (Edwall) que colecciona factos estranhos e inexplicáveis, mostra-lhe a solução para todo o conflito. Alexander têm de ir ao encontro de Maria.
Ao mesmo nível na história está presente a relação de Alexander com o seu filho, revelando-lhe as preocupações que nutre pelo espírito humano que considera em completa decadência.
Como toda a obra de Tarkovsky, este filme está impregnado de questões filosóficas e humanistas, aproximando sempre a relação do homem com Deus e, deixando-nos (como é hábito nos seus filmes) com mais perguntas que respostas.
É bom ver as esferas de dois dos maiores pensadores, além de cineastas (Bergman e Tarkovsky) a interagir, nem que seja em poucos pontos, como o país de rodagem ou o uso dos mesmos actores ou do usual director de fotografia de Bergman, Nykvist.
Nota máxima para Offret, perfeito a todos os níveis. Erland Josephson têm - como sempre - uma interpretação ao mais alto nível.
Andrei Tarkovsky morreria no final do ano de estreia de Offret, não estando presente em Cannes quando o filme recebeu quatro prémios. Andriushka Tarkovsky, o filho (e a quem o filme é dedicado) subiu ao palco e recebeu os prémios, recolhendo o aplauso geral de varios minutos para o génio que foi Andrei.

Parabéns Jean-Luc

2009-12-03T16:23:00.003Z

"I make film to make time pass."

"I don't think you should FEEL about a movie. You should feel about a woman. You can't kiss a movie."

"All you need to make a movie is a girl and a gun."

"It's over. There was a time maybe when cinema could have improved society, but that time was missed."

"Cinema is the most beautiful fraud in the world."

"In order to criticize a movie, you have to make another movie."

Isis @ Sá da Bandeira

2009-12-02T16:49:00.007Z

Primeiramente, uma palavra para os Keelhaul, que abriram a noite em grande força com o seu sludge cheio de riffs matemáticos e caóticos. De seguida, os Circle, deram um dos espectáculos mais estranhos que vi até hoje! O vocalista excêntrico e a música desprovida de qualquer tipo de estrutura, ofereceram-nos um espectáculo (mais que um concerto) que encerra em si um universo muito próprio, em que tivemos direito a um híbrido de marchas Hitlerianas, Power Rangers, filosofia oriental e as suas típicas posições de combate, roupa que encaixava nuns Village People, histórias contadas em finlandês e uns passinhos de ballet(!).
Os Isis deram um concerto memorável no passado dia 29 de Novembro no Sá da Bandeira, mostrando porque são considerados um dos colectivos mais interessantes dos noughties (00's).
A banda de Aaron Turner é uma daquelas (que se contam pelos dedos de uma mão) que tornam os concertos ao vivo em experiências completamente transcendentais. Há uma noção de espiritualidade quando actuam ao vivo, seja pela natureza dos temas, seja pela alienação que sentem eles e sentimos nós, em pura comunhão pela música.
Por mais que queira explicar o que senti, é impossível... Foi arte e foi espiritualidade, foi intimismo e foi comunhão, foi uma experiência catárquica que me deixou sem palavras nos minutos que se seguiram ao final do concerto.

29-11-2009
Sá da Bandeira, Porto
Hall of the Dead
Stone to Wake a Serpent
Dulcinea
20 Minutes/ 40 Years
Ghost Key
Backlit
Threshold of Transformation
--
Carry
Altered Course

Em tour de apresentação ao novo Wavering Radiant seria de esperar que tocassem maioritariamente temas desse disco (o que não me causa qualquer desconforto), mas dentro dos sets que tem tocado este era aquele que mais me agradava. O final com a Altered Course foi um dos momentos musicais mais intensos a que já assisti e que era mesmo a minha preferida para acabar o concerto.
No final, pessoas bem acessíveis e sem manias de estrelas (como muitos que por aí andam). Quase que era espancado mas consegui entrar no backstage e conversar uns minutos com o Mike e o Jeff e dizer-lhe porque é um dos melhores baixistas da actualidade ;)
Uma noite que vai ficar para sempre guardada na memória de todos aqueles que lá estiveram e além disso ainda consegui todos os meus discos autografados por todos os membros da banda norte-americana :D
Não, este não foi (só) o concerto do ano, foi um concerto de uma vida.

Fotos por Jorge Silva

Parabéns Woody...

2009-12-01T23:41:00.005Z

"I don't believe in an afterlife, although I am bringing a change of underwear."

"I can't really come up with a good argument to choose life over death. Except that I'm too scared."

"I've never felt that if I waited five years between films, I'd make better ones. I just make one when I feel like making it. And it comes out to be about one a year. Some of them come out good, and some of them come out less than good. Some of them may be very good and some may be very bad. But I have no interest in an overall plan for them or anything."

"Retire and do what? I'd be doing the same thing as I do now: sitting at home writing a play, then characters, jokes and situations would come to me. So I don't know what else I would do with my time."

Fim de semana com os Isis

2009-11-28T13:57:00.008Z

Amanhã é o grande dia do ano, no que se refere a concertos por terras lusas.
Os Isis estarão hoje pela primeira vez, em Lisboa mas, desculpem-me o regionalismo, vai ser cá no Porto que vão rebentar com tudo!
Uma das bandas mais importantes da década, com 5 discos editados desde 2000 a 2009, o reconhecimento da crítica e público, pela carreira sempre ascendente, desafiante e que nos mostra a cada álbum mais territórios descobertos nesta jornada de sucesso, pisará pela primeira vez os palcos portugueses.
Não é surpresa para ninguém que os Isis me agradam, e agradam muito mesmo. São uma daquelas bandas em que me lembro exactamente de quando os ouvi pela primeira vez, onde estava, qual foi a música (Carry) e o que senti ao ouvir aquele som totalmente novo para mim!
A banda de Jeff Caxide, Aaron Harris, Mike Gallagher, Cliff Meyer e o senhor Aaron Turner, dono da grande Hydra Head Records estará acompanhada pelos Keelhaul e pelos Circle que terão a tarefa de abrir as hostilidades para essas duas grandes noites.
Uma palavra de agradecimento á Amplificasom (André e Crest) pelo trabalho que têm vindo a desenvolver para colocar Portugal no mapa dos grandes concertos e por dinamizar a noite do Porto em especial. Este concerto significa muito para eles e significa muito para todos nós, fãs da banda norte-americana.
Se puderem não percam esta oportunidade de ver os Isis, no Teatro Sá da Bandeira, as portas abrem ás 20:00.

A day it changes everything

Discos de Uma Vida: 002

2009-11-19T15:47:00.005Z

PJ Harvey - Dry (1992)

01 Oh My Lover
02 O Stella
03 Dress
04 Victory
05 Sheela-Na-Gig
06 Hair
07 Joe
08 Plants And Rags
09 Fountain
10 Water

O debute de PJ Harvey, Dry, de 1992 deixou meio mundo boquiaberto.
Uma miuda inglesa de 22 anos editava um disco extremamente bem escrito e que mesmo assim seguia as tendências da altura das guitarras rasgadas,talvez seja por isso que muitos músicos se confessaram fãs deste álbum, que constava na mítica lista dos 50 discos preferidos de Kurt Cobain.
Dry é, apesar de toda a sua energia, de toda a rawness e de toda a negridão que por lá habita, um disco extremamente feminino. As letras de Harvey focam-se em temas pós-feministas, lidando com esse mundo oscilante e perverso, no entanto Polly Jean hasteou de novo a bandeira que pertencia anteriormente a Patty Smith, a bandeira da mulher sem merdas e cheia de tomates, a mulher do rock com letras inteligentes, determinadas e acima de tudo memoráveis!
Em Dry todos os temas são fortíssimos, sendo este um disco negro, sujo, enérgico, zangado, honesto e que é acima de tudo um disco sobre sexo, amor e morte, onde Polly soa até fatalista, como se se tratasse da sua própria vida ou morte, mas o futuro de Polly Jean Harvey mostrar-se-ia brilhante, pelo que ela terá muitas mais entradas nesta lista de discos de uma vida.

Parabéns Marty...

2009-11-17T15:31:00.003Z

"Because of the movies I make, people get nervous, because they think of me as difficult and angry. I am difficult and angry, but they don't expect a sense of humor. And the only thing that gets me through is a sense of humor."

"I'm in a different chapter of my life. As time goes by and I grow older, I find that I need to just be quiet and think. There have been periods when I've locked myself away for days, but now it's different - I'm married and we have a daughter who is in my office the whole time."

Cisneros + Wino + Kelly + Crover = Shrinebuilder

2009-11-14T16:11:00.002Z

Hoje em dia a palavra supergrupo é usada para qualquer reunião de músicos que sejam já conhecidos nas suas bandas e criem algo juntos. Quase todas as semanas aparece um novo supergrupo, que na grande maioria das vezes não passa de um capricho e de uma desculpa para se ter um projecto paralelo, que está tanto na moda hoje em dia. Além disso, o termo supergrupo é usado para qualquer destes projectos, não interessando o fundamental, que sejam projectos criados por músicos com carisma, com talento e que tenham sido influências para muitos outras pessoas. Não se é supergrupo só porque todos os elementos tem outras bandas.
Os Shrinebuilder são um verdadeiro supergrupo porque todos os seus elementos são talentosos, carismáticos e pessoas que influenciam todo o cenário musical, particularmente dentro do espectro sludge/stoner/doom, há já mais de 20 anos.

Scott Wino (Saint Vitus, The Obsessed, The Hidden Hand), Scott Kelly (Neurosis, Tribes Of Neurot), Al Cisneros (Sleep, Om) e Dale Crover (Melvins, Porn (The Men Of), Lords Of Altamont) formaram este grupo e editaram este ano o disco homónimo, Shrinebuilder.

1. Solar Benediction

2. Pyramid Of The Moon
3. Blind For All To See
4. The Architect
5. Science Of Anger

O que se pode esperar deste disco é uma quase homenagem a tudo o que estes músicos fizeram no passado, vagueando pelos caminhos que eles próprios ajudaram a construir.
O álbum é composto pelos 5 temas acima apresentados, sendo que o primeiro começa em força, com as vozes e guitarras de Wino e Kelly a abrirem caminho pelos breaks de Crover (sempre seguríssimo e original), até que a faixa nos leva até uma parte ambiental belíssima. Pyramid Of The Moon vê mais uma vez excelentes riffs criados pelos mestres intercalados por momentos melancólicos apoiados pela voz sempre introspectiva de Kelly. Mas é no tema seguinte que reside uma das surpresas, principalmente por culpa desse génio chamado Scott Kelly. Blind For All To See começa com uma linha de baixo de génio de Cisneros, e a maneira como Kelly canta é realmente um ponto positivo, introspectivo, derrotado mas ao mesmo tempo esperançoso, sendo este um dos momentos altos do disco. Na quarta faixa temos uma óbvia homenagem aos tempos mais antigos da carreira de Wino, um tema que respira Black Sabbath por todos os poros. Para terminar em força, Science Of Anger é um dos melhores temas, começa forte e a parte final é mais uma vez apoiada numa secção com um daqueles cânticos que mais parecem mantras, como só Cisneros nos sabe oferecer.
Este projecto sai claramente a ganhar, agora é esperar que daqui a uns tempos continuem com este grupo...
Vê-los ao vivo seria uma benção.

Os Dinossauros estão aí pra ficar...

2009-11-06T19:37:00.010Z

Falar nos Dinosaur Jr. em 2009 pode parecer tão pertinente quanto falar nos Pearl Jam, no entanto, os dinossauros do indie rock estão de muito boa saúde e recomendam-se.
Vamos a uma pequena aula de história do rock.
J Mascis, Lou Barlow e Murph são os membros originais dos Dinosaur Jr. e formaram a banda em 1983. Lançaram o disco Dinosaur dois anos depois, e em 1987 editaram o seminal You're Living All Over Me, disco que é hoje um clássico do rock alternativo do final dos anos 80 e que influênciou muito boa gente como os Nirvana e os Pixies. Em 1988 era a vez de editarem Bug, álbum que continuava a abrir caminho ao rock independente norte-americano.
Entretanto as tensões entre a banda aumentaram e Barlow foi despedido. A partir daí a banda passou de excelente a (apenas) sólida, lançando mais 4 discos até 97, ano em que J Mascis decidiu acabar com o nome.
Já em 2005 o trio reuniu-se outra vez, lançando Beyond, um disco que era o regresso á forma, e este ano o novo Farm vem mostrar que o anterior não foi um caso de sorte.
Farm, o novo disco da banda norte-americana (apenas o quinto com o alinhamento original ),é um portento de melodias que tem tanto de catchy como de indie rock desleixado, com os respectivos vocais, imagine-se... desleixados.
O disco está recheado de músicas que passam imediatamente para o grupo de clássicos que o trio compôs em You're Living All Over Me e Bug, com aquela mesma distorção cheia de gain e uso do maravilhoso feedback que J Mascis tão bem manipula, além da sua guitarra sempre inventiva nos riffs e emotiva nos solos, e que solos! Por seu lado, Lou Barlow e Murph conferem á secção rítmica as dinâmicas necessárias para que tudo resulte muito bem.
Quase todos os temas são maginíficos, mas podemos salientar alguns, como Pieces, I Want You To Know, Ocean In The Way, Plans, Over It, Said The People ou I Don't Wanna Go There.
É bom saber que existem bandas que mesmo com uma carreira tão longa continuam a ter a chama da música dentro delas e que não andam a lançar discos em piloto automático (como o exemplo acima referido).
Este é um dos melhores discos do ano, sem a menor dúvida.

I got nothing left to be
Do you have some plans for me?

All The Stars Are Dead Now: António Sérgio

2009-11-01T12:35:00.007Z

O radialista António Sérgio faleceu esta madrugada aos 59 anos, vítima de ataque cardíaco.
António Sérgio fez rádio durante mais de 40 anos e foi despedido da Rádio Comercial pelos espanhois da Prisa (os mesmos que não quiseram Manuela Moura Guedes na TVI, e ainda bem!), no entanto, desta vez ficamos mesmo a perder e nunca mais pudemos ouvir "A Hora Do Lobo" com a sua voz característica e inconfundível a guiar-nos pelo que de melhor a música tinha para nos mostrar.
A indignação foi muita e o MEC escreveu um grande texto sobre toda esta situação, comparando António Sérgio a John Peel.
Actualmente encontrava-se a trabalhar na Radar.
Eu não tenho dúvidas que foi uma das figuras mais importantes da música em Portugal nos últimos 40 anos.
O texto pode ser lido aqui.

Descansa em paz, Lobo. Obrigado por tudo. O povo português deve-te muito.
Até Sempre.

Halloween - John Carpenter (1978)

2009-10-31T19:39:00.009Z

E como não poderia deixar de ser... Halloween!
O filme de 1978 conta a história de Michael Myers, que com apenas 6 anos mata a sua irmã de 15 com um facalhão que mete respeito, na noite de Halloween. Salto narrativo e temos Myers, agora com 21 anos que escapa, quando ia ser transferido para ser apresentado a tribunal e julgado como adulto. O psiquiatra Sam Loomis, que acompanhou o caso avança numa busca pessoal pelo fugitivo, que acredita encaminhar-se até Haddonfield. Na sua terra natal, Myers persegue a jovem Laurie Strode (Jamie Lee Curtis), que vai tentar sobreviver á noite de Halloween.
John Carpenter assina aqui um grande filme de terror, que é um produto "seu", uma vez que foi argumentista, realizador e criou toda a banda-sonora deste clássico, o que mostra todo o seu talento incontestável. É também de louvar a sua criatividade e originalidade com o trabalho de camara, ritmo de filme e acima de tudo, a tensão que se gera a cada momento, tudo isto espelhado na notável sequencia de abertura do filme.
Jamie Lee Curtis encarna muito bem a scream queen dos filmes de terror. No entanto, há quem diga que apenas foi escolhida para o papel porque trouxe grande atenção, devido a ser filha de Janet Leigh e do papel que esta desempenhou em Psycho, de Hitchcock.
Muitos filmes repescaram a história de Myers, contudo nunca nenhum se aproximou da qualidade deste clássico de terror incontornável.
Quanto a mim, um dos melhores filmes independentes de que há memória, uma das melhores realizações de sempre (por tudo o que foi dito acima) e talvez o melhor slasher movie de sempre.
Um filme para ser (re)visto esta noite...

Alice In Chains - Black Gives Way To Blue

2009-10-26T00:06:00.001Z

Depois do ponto final em 2002, os Alice In Chains resolveram juntar-se a William DuVall para fazer uns concertos em que tocariam os seus grandes clássicos. A união foi tão bem sucedida que a banda de Seattle acabou por viajar por todo o mundo, passando inclusive por Portugal no SBSR de 2006.
Desde esse ano a banda resolveu dar o passo seguinte e escrever novos temas, que foram editados agora, em 2009, quase 14 anos depois do último álbum de estúdio, o homonimo, Alice In Chains.
E o que se pode esperar de um disco de Alice In Chains, passado tanto tempo?
Rock Alternativo e Grunge de altíssima qualidade!
Os riffs de Jerry Cantrell continuam a alternar entre o poderoso viciante e o mais negro e melódico, e além disso Cantrell canta ainda mais (e melhor) neste novo disco.
Todo o passado dos Alice In Chains pode ser revisitado em Black Gives Way To Blue.
A primeira amostra do álbum, A Looking In View, cresce á volta de um dos riffs mais pesados do rock dos últimos anos, resultando em 7minutos de pura descarga de emoções. Em Check My Brain, o single oficial, mais uma vez, Jerry Cantrell oferece-nos um riff simples e demolidor, quase a sair do tom da música. Outros momentos de destaque são, All Secrets Known, Last Of My Kind, Acid Bubble ou Private Hell, além do tema que conclui o disco e que lhe dá nome, em que há a participação especial de Elton John, no teclado. Confirmado já está o próximo single, Your Decision, uma balada bem ao jeito dos Alice In Chains.
Este novo disco tem a identidade da banda de Seattle bem vincada e mesmo assim consegue trazer algo de novo.
Com a cada vez mais próxima, suposta reunião dos Soundgarden, parece que estamos de volta ao início dos anos 90 e parece que há um certo ressurgimento do grunge. Resta esperar que os Nirvana convidem alguém para fazer as vezes de Cobain (algo que eu acredito não faltar muito) e teremos os big four do grunge no activo (sim, porque os Pearl Jam nunca pararam, apesar de o deverem ter feito algures a meio da década passada).
Estamos então perante uma reunião que dá frutos e não é apenas um daqueles estratagemas para fazer dinheiro.

Ah, é assim que se faz uma crítica sem se falar em Layne Staley. ;)

Pela milésima vez: Eu NÃO vou!

2009-10-21T20:07:00.008+01:00

Amanhã há Metal Progressivo em força no Palácio de Cristal, no Porto.
A abrir a noite teremos os Big Elf e depois os Unexpect, duas boas surpresas dentro do rock progressivo... Depois teremos uma daquelas bandas irritantes, em que o virtuosismo surge porque sim. Nessa banda, não interessa o sentido de composição musical, interessa sim mostrar que cada um dos seus músicos domina o seu intrumento melhor que o vizinho do lado e depois surge o quê? Música? Talvez. De qualidade? Não.
Meus amigos, a música de qualidade não se define pelo número de notas por segundo que um músico debita, ou pelo número de pratos que o seu kit de bateria possui. Muito menos pelos solos rápidos e parolos que o teclista toca, got it?
Depois e como cereja em cima do bolo temos aquela voz... :)
Essa banda não faz nada de bom desde 1992. A partir daí, e com crescimento exponencial temos a repetição de ideias e por vezes o plágio descarado, que tem vindo a acontecer mais e mais frequentemente. E não, essa banda nunca inovou. Em nada.
Mas, também vai haver música de qualidade superior, com os Opeth -banda sueca que é basicamente o projecto de Mikael Akerfeldt - que eu aprecio há uns valentes anos e que continuam a não desiludir.
Os Opeth são Metal Progressivo no verdadeiro sentido da palavra e se quisermos falar em Death Metal Progressivo nos últimos 15 anos, então isso é sinónimo de um nome: Opeth.
Ser progressivo significa expandir horizontes, procurar e experimentar sempre mais, e é isso que os Opeth têm feito.
Discos como, Still Life ou Blackwater Park são autênticos colossos de técnica usada não como o fim a atingir, mas como um meio para expressar ideias.
Os Opeth fundem death metal com passagens acústicas ou ambientes negros com tamanha mestria que se sentem os ecos do progressivo dos 70, o heavy metal, a folk, o psicadélico e últimamente as texturas de um Scott Walker, sendo a sua sonoridade catalogada de Opeth, assim, sem mais.
Se quiserem gastar 30€ para ver uma das melhores bandas da actualidade e não se importam de apanhar um bocado de seca com um dos projectos mais enfadonhos que existem, então amanhã saiam mais cedo do trabalho/aulas porque as portas abrem ás 18h.

Duas Coisas...

2009-10-14T21:25:00.009+01:00

Este ano já vou praí na Gripe K, mas mesmo assim arranjei um tempinho para dizer que há dois discos que apesar de serem hype, têm rodado com alguma frequencia por aqui, são eles...

The Horrors - Primary Colours

Banda londrina que este ano já por cá passou, em Paredes de Coura, edita um álbum que nos traz de volta o shoegaze, o pós-punk e as vocalizações á Ian Curtis que tanto estão na moda.
Este ano foram apadrinhados pelos Nine Inch Nails e vão tocando um pouco por todo o mundo alcançando cada vez mais fãs do seu som negro, espaçado e melancólico.

The xx - XX

Os The xx são aquilo a que a imprensa gosta de chamar de "the next big thing" e a verdade é que os The xx não o são! Desiludidos? Não estejam. Os The xx são dois rapazes e duas raparigas, também de Londres que fazem um som nada original mas que acaba por surpreender e colar-se ao ouvido. O que podemos ouvir é um indie-pop com alguns laivos electrónicos que resultam muito bem com as vozes melancólicas e quase faladas ou por vezes sussurradas dos miudos.

Discos de Uma Vida: 001

2009-10-12T23:39:00.006+01:00

Pink Floyd - The Piper At The Gates Of Dawn (1967)

A1 Astronomy Domine
A2 Lucifer Sam
A3 Matilda Mother
A4 Flaming
A5 Pow R. Toc. H
A6 Take Up Thy Stethoscope And Walk
B1 Interstellar Overdrive
B2 The Gnome
B3 Chapter 24
B4 Scarecrow
B5 Bike

The Piper At The Gates Of Dawn foi o primeiro disco lançado pelos Pink Floyd, em 1967 e o único que conta com Syd Barrett como líder.
Lançado naquele que é talvez o mais importante ano para a música - vão investigar tudo o que aconteceu em 1967 - este disco permanece como um dos mais influentes até aos dias de hoje, devido sobretudo a esse génio em espiral decadente por causa das drogas que era Barrett.
Este disco foi gravado nos estúdios Abbey Road ao mesmo tempo que outro marco psicadélico, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band dos The Beatles, e por causa do seu título, anos mais tarde Barrett seria chamado de "Piper" em Shine On You Crazy Diamond, no disco de 1975 Wish You Were Here. Adivinhem lá a quem se referia o título...
Aqui os Floyd eram psicadélicos, com letras infantis e com melodias que só podiam vir de alguém cuja nutrição fosse feita á base de LSD.
As letras remetem-nos para um mundo de imaginação um pouco á imagem de "Alice In Wonderland", com referências tão bizarras como gnomos, espantalhos, bicicletas, Lucifer ou o espaço.
Todas as faixas merecem ser referênciadas, mas é em torno de Interstellar Overdrive que todo o disco gira, uma suite que ultrapassa os 9 minutos e que nos concertos chegava aos 20minutos.
Aqui está um disco com mais de 40 anos que continua a deixar-nos boquiabertos pela vida que contem nele, pelo seu psicadelismo, originalidade e por ser o primeiro marco da banda mais visionária de sempre.

Kayo Dot: Amanhã

2009-09-23T15:22:00.009+01:00

Foi por pouco, a Gripe A apanhou-me mas acho que recupero a tempo de ver amanhã um dos concertos que mais espero nos últimos anos: Kayo Dot, a banda de Toby Driver (ex-motW).
Se puderem aparecer não hesitem, pois não é todos os dias que se tem a oportunidade de ver uma banda deste calibre aqui tão perto...

Like a kiss, soft, and wild with the delicate steps of petals fallen in a stream
This swirling ballerina turns in faint and sighing grandeur
Across the floor to me.
A monarch plays the violin to a summer's afternoon
Whilst quietly the earthworm adores the soil in winter's sparkling gloom
It breaks away, growing as the flowers do.

A thunderhead embraces his enraptured lover
And kisses with a gale that also makes the cattails shudder.
His tears cannot, as he proclaims his love, be held with lightning back;
They fondly dance into an open window
And fondly dance with mine.

Our eyelashes weaken with a weight that is sweet and fine,
And this feels like frogs and spiders in the sweet outside.
Tell me why world, unfathomable and good,
The beauty of everything is infinite and cruel.

An airplane, a puppet, an orange, a spoon,
A window, and outside
Stars and the moon.

in Marathon
Choirs Of The Eye, 2003

Doce Novembro...

2009-09-14T19:06:00.005+01:00

Pois é, Novembro vai ser um mês cheio de acontecimentos a nível musical, com muitos bons concertos já agendados.

Hoje, houve a confirmação de mais um:

Dia 2 de Novembro no Passos Manuel

A acompanhar o trio italiano que já este ano lançou o excelente Carboniferous estará um projecto português que até agora não foi divulgado.
Carboniferous tem as participações de King Buzzo e Mike Patton e figurará concerteza na minha lista de melhores discos de 2009.
Os Zu criam música avantgarde, que se traduz numa fusão entre jazz, hardcore, rock, metal, drone, noise e apontamentos matemáticos numa mistura fresca, original e desafiante.
Apesar de contarem "apenas" com bateria, baixo e saxofone a música destes italianos que editam através da Ipecac vai muito mais longe do que seria de esperar...

The Mars Volta - Octahedron

2009-09-08T14:55:00.006+01:00

Os The Mars Volta, voltaram este ano com novo disco, o quinto de originais, em seis anos.
É certo que a matriz deste novo registo é diferente, sendo rotulado pela banda como "o seu álbum acústico", não o sendo nos padrões normais, mas nos padrões de Omar e Cedric.
Segundo as palavras de Cedric Bixler Zavala, eles sempre ameaçaram fazer um disco pop, e agora fizeram mesmo.
A experimentação e o quebrar de barreiras estão implícitos no código genético dos The Mars Volta desde sempre - sendo essa vontade de alcançar novos horizontes uma das condicionantes para o final dos geniais At The Drive-In - e, é de louvar. Contudo, a qualidade maior do colectivo é a sua capacidade de explosão rítmica, as suas odisseias melódicas, as batidas pulsantes, a fusão de estilos e as letras ambíguas e quase Kafkianas, e tudo isto (ou quase) está fora de Octahedron.
É verdade que Televators e The Widow foram os singles do grupo que espalharam o seu nome mais longe, levando-os a escalar os tops norte-americanos, mas ao ouvir as obras a que pertencem - De-Loused In The Comatorium e Frances The Mute (os dois marcos inegáveis da banda) - estas faixas funcionavam como ponto ocasional, contraponto da visceralidade que as circundavam e que serviam para nós respirarmos daquele ritmo frenético que eles nos impunham, mas um álbum repleto destas músicas? Soa a um álbum com a personalidade The Mars Volta mutilada.
Octahedron só a espaços consegue atingir aquele patamar de excelência, sendo alguns dos pontos fortes Teflon, With Twilight As My Guide ou Cotopaxi, no entanto a personalidade extremamente vincada do grupo consegue ainda assim proporcionar umas quantas audições de qualidade.
Este é um registo menor na carreira da banda, há que admiti-lo, talvez fruto da sua abundância de lançamentos, ou então da abundância de lançamentos de Omar, que só neste ano já lançou três discos em nome próprio, bem como o seu El Grupo Nuevo de Omar Rodriguez Lopez.

Porcupine Tree - The Incident

2009-09-04T12:17:00.006+01:00

Talvez seja um bocadinho precipitado estar a escrever alguma coisa sobre The Incident, o novo e bastante aguardado álbum dos Porcupine Tree mas, como já se contam algumas audições por estes lados e, salvo raras excepções, aquela impressão que tive quando o ouvi pela primeira vez, mantem-se intacta, vou fazê-lo.
O conceito para este álbum prende-se com a palavra Incident usada pela polícia para assinalar um acidente, então Steven Wilson - mentor do projecto - abrandou como os demais, e sentiu o espírito de alguem que tinha morrido sentar-se ao seu lado. Nesse instante reparou que a palavra Incident se refere a algo destrutivo e traumático para as pessoas envolvidas. Foi então que começou a escrever sobre os mais variados "acidentes" que ocorrem em todo o globo.
É sobre este conceito que se estende o disco, dividido em duas partes. A primeira é The Incident, uma única música de 55 minutos (o que não é inteiramente verdade, pois consiste em 14 faixas coladas umas ás outras) e, o segundo disco com 4 temas que não cabem neste conceito e nos oferecem mais 20 minutos de música.
Os Porcupine Tree têm vindo a desenvolver um lado mais pesado e negro desde o início da década, porventura fruto da amizade que Steven Wilson travou com Mikael Akerfeldt dos Opeth e é assim mesmo que começa este novo disco com uma introdução mais negra que o habitual.
Depois disso, há as mesmas partes introspectivas e depressivas que se têm vindo a tornar mais e mais lamechas com o passar dos anos, há os riffs á Opeth (The Blind House), os riffs matemáticos iniciados no anterior Fear Of A Blank Planet á Meshuggah (Circle Of Manias), a electrónica de marca registada Nine Inch Nails (The Incident), os falsetos á Thom Yorke e a dream pop dos Sigur Rós (The Yellow Windows Of The Evening Train).
Não me interpretem mal, The Incident não é totalmente mau. Há muitos bons momentos como The Incident, Time Flies, Octane Twisted, I Drive The Hearse (...), apenas há a sensação de que tudo isto já foi feito, seja por outros grupos ou por eles mesmos, e isso não é o que se espera de uma banda com músicos deste calibre. No fundo o que torna The Incident num disco não tão apelativo é o sentimento de reciclagem de que estes temas são alvo.
Num projecto com 20 anos que sempre se pautou pela inovação, parece que a música está infelizmente a estagnar.
Agora com concerto marcado em Novembro no Teatro Sá da Bandeira fica a questão: Será que os Porcupine Tree em 2009 valem o dinheiro dos bilhetes? E será que são uma opção válida para ver ao vivo? O segundo disco diz-me que sim...

Isis ao vivo em Portugal

2009-09-02T18:52:00.010+01:00

Os Isis vão tocar pela primeira vez em Portugal nos dias 28 e 29 de Novembro, na Incrível Almadense (Lisboa) e no Teatro Sá da Bandeira (Porto) respectivamente.
A banda norte-americana vem promover o seu mais recente álbum, Wavering Radiant, editado em Maio deste ano e traz consigo como suporte os ressuscitados Keelhaul e os Circle.
Considerados seguidores dos Neurosis no ínicio da carreira, considerados pares deles depois, ajudando a cimentar o sludge como estilo, e mais, como uma maneira verdadeira de criar nova música, aproximando-se até - não em termos estilísticos mas na forma vísceral como criam música - dos Tool. O que é certo, é que a música dos Isis sempre se pautou pelo desafio da mudança, da criação e da evolução...
Para mim é um momento particularmente especial, pois nunca vou esquecer aquele dia em que uma compilação - cheia de nomes que certamente não passariam dali - me revelou uma banda de nome Isis, através de uma grande faixa, Carry, que eu passaria a acompanhar com grande interesse ao longo dos anos... Isto em 2002.
Os Isis já não são os mesmos de Oceanic, mas ainda bem... São uma banda que quer mais, diferente e melhor.
O preço dos bilhetes é 20€, a expectativa é a expectativa de uma vida...

Olá Setembro...

2009-09-01T14:53:00.006+01:00

September é um filme de Woody Allen realizado em 1987 que pertence ao seu "sub-género" de filmes vincadamente "Bergmanianos", muito criticados e quase esquecidos.
Depois de uma tentativa de suicídio, Lane passa um tempo na sua casa de campo para recuperar, com a sua amiga Stephanie que aproveita para estar algum tempo longe do seu marido. Entretanto a mãe de Lane, Diane aparece com o seu namorado, ao mesmo tempo que os vizinhos Peter e Howard também frequentam a casa.
Toda a acção do filme se passa dentro desta casa, que ao longo do filme se vai tornando também ela uma própria personagem.
Todas estas personagens vão envolver-se numa teia de relações mais ou menos felizes...
O filme, sendo quase uma homenagem a um dos seus maiores ídolos, não poderia deixar de tocar em temas como solidão, infelicidade conjugal e espiritual, culpa, crise, morte, desespero e sensibilidade, resultando numa obra muito madura.
A certa altura do filme Diane divaga: "O que há de estranho em ver-se ao espelho agora é que já não vemos o futuro." É esta sensação de estranheza e incerteza que associo ao mês de Setembro, que começa frio depois de vários meses em que tudo acontece...

Welcome September!

(Teared) Up

2009-08-13T20:10:00.005+01:00

Fantástico! É a palavra que descreve este novo filme da Pixar, realizado por Pete Docter com a ajuda de Bob Peterson.
Up conta-nos a história de Carl Fredricksen, primeiramente um rapazinho que conhece o amor da sua vida, Ellie, com a qual partilha o sonho de embarcar numa aventura até Paradise Falls e por lá viver e, seguidamente, um homem de 78 anos pronto a mudar de vida e viver a sua grande aventura. Entretanto, há um escuteiro que se intromete na sua vida, Russel e com o qual travará uma improvavel amizade.
Up é, na minha modesta opinião, o melhor filme de animação digital feito até hoje (então e o Wall-E?) e não se mostra como um filme infantil, que nos fará rir por deixas estúpidas ou trambolhões intermináveis.

Esta longa metragem vai deixando com subtileza, aqui e ali, frases carregadas de profundidade que nos fazem olhar para dentro.
A sequência inicial é de ir ás lágrimas, tal a emoção das imagens e a beleza da música de Michael Giacchino que as acompanha, mas não nos ficamos por aqui, ao longo de todo o filme se escaparão gotinhas de água provenientes dos olhos mais sentimentais...

Verão Azul...

2009-08-12T20:16:00.003+01:00

Esta é a fabulosa capa de Blue Record, o novo disco dos Baroness que se sucede a Red Album, datado de 2007.
O artwork foi criado pelo guitarrista e vocalista da banda John Dyer Baizley, que também é pintor e criador regular de capas e t-shirts para bandas como Kylesa, Pig Destroyer, Torche e Darkest Hour, entre muitas outras.
A tracklist confirmada é:

Bullhead's Psalm
The Sweetest Curse
Jake Leg
Steel That Sleeps The Eye
Swollen And Halo
Ogeechee Hymnal
A Horse Called Golgotha
O'er Hell And Hide
War, Wysdom And Rhyme
Blackpowder Orchard
The Gnashing
Bullhead's Lament

O disco será editado a 13 de Outubro pela Relapse e é grande a expectativa á volta da banda de Savannah, Georgia.

Burst: o fim...?

2009-07-25T12:53:00.005+01:00

Parece que os Burst vão entrar num "hiato indefinido", isto porque é preferível que a separação seja amigável agora, de modo a evitar uma futura separação menos amistosa.
A banda refere ainda que "We guess the most significant reasons are that we have different views on what our band should be about, how much effort we are able and willing to put into it, as well as individual band members' wish to prioritize other things in their respective lives.
We are too proud of our band and our music to let it slowly wither or perhaps explode in a flurry of intra-band conflict. So, we'll end it now amicably and avoid what could possibly turn into a less-friendly split. We might have separate views and wills, but there is no animosity between us now"
"When you think about it, being in a rock band is a fucked-up social experiment: five different persons are to agree on something as individual as creative visions AND have the personal chemistry to be able to spend a disproportionate amount of time together on tour buses and cramped backstage rooms. There are a lot of nasty smells to be digested, a lot of insane behavior to be handled, a lot of mundane issues to be solved."
Perde-se assim uma das bandas mais excitantes no espectro musical, que tinha uma carreira sempre a subir, com álbuns tão importantes e desafiantes como Origo (2005) e Lazarus Bird (2008).
São estas opções que nos mostram o quão dificil é estar numa banda rock e gerir todas as diferentes opiniões.

Week End – Jean-Luc Godard (1967)

2009-07-24T12:32:00.003+01:00

Um casal burguês, Roland e Corrine, viaja num fim-de-semana supostamente idílico através da paisagem francesa até á casa dos pais da jovem, onde conspiram a sua morte para se apoderarem da sua herança. A viagem revela-se caótica e perturbada por diversos eventos, como um trânsito infernal, um grupo de pseudo-filósofos ou um casal de carjackers. O final do filme revela-se uma diatribe que não deixa tópicos a descoberto.
Week End é um filme satíricamente colorido e vertiginoso, que se inicia com um monólogo sexualmente gráfico, contém a famosa longa cena de trânsito, onde um sem número de carros acidentados descansa entre outros que ardem, e em que até uma conversa telefónica se transforma num número musical. Surreal. Godard realizou um filme violento, que incorpora subtítulos, funcionando como um conjunto de vinhetas absurdas em que a música altera todo o conceito até então adoptado. O resultado é desafiante para uns e desapontante para outros.
Jean-Luc Godard no seu auge über-esquerdista criou um ataque satírico e lancinante á sociedade burguesa e ao seu colapso devido ao seu próprio peso consumista. Este filme é um marco e mostra-se extremamente original, além disso, com o passar dos anos não perdeu a sua vitalidade e impacto. É uma verdadeira afirmação artística por parte de um dos pioneiros da Nouvelle Vague.

Kayo Dot em Portugal

2009-07-22T14:25:00.004+01:00

O colectivo norte-americano Kayo Dot pisará os palcos portugueses pela primeira vez no dia 24 de Setembro, no Passos Manuel, no Porto. O preço dos bilhetes é 10€ (venda antecipada) e 12€ no próprio dia.
A banda nasceu das cinzas dos maudlin of the Well, em 2003, e estabeleceu-se como um dos grupos experimentais mais bem sucedidos desta década, tendo já editado três álbuns. Logo em 2003, Choirs Of The Eye deixou crítica e público extasiados e mostrava o caminho que os Kayo Dot queriam seguir, um caminho ainda mais vincadamente avant-garde em que qualquer estrutura típica de canção é abolida. Já em 2006, a banda edita Dowsing Anemone With Copper Tongue, indo ainda mais longe nos experimentalismos, no que se tornaria um álbum mais estranho mas belíssimo como não poderia deixar de ser. Blue Lambency Downward, o terceiro disco mostra-se mais jazzístico, com composições marcadamente mais curtas em termos de duração e desprovido de qualquer tipo de peso.
Espera-se uma grande noite, no Porto, fruto do espectáculo da banda arquitectada pelas mentes geniais de Toby Driver (ex-motW) e Mia Matsumyia.